C'est le premier album de Garbarek pour le label ECM.

C'est un album encore très marqué par le free jazz, avec beaucoup d'énergie, et de techniques bruitistes au saxophone et à la guitare. Garbarek joue ici du saxophone ténor, saxophone basse, clarinette, flûtes et percussions.

L'album se termine par un titre humoristique de Jon Christensen, où le batteur vocalise des « Blupp », ponctués de quelques coups de toms.

Ce disque éveille fortement l'intérêt des critiques, à la fois en Norvège comme à l'international. Le critique Gérard Noel dans Jazz Hot souligne les qualités rythmiques de l'album, tandis que tous les critiques s'accordent sur la qualité du son : clair frais, transparent. Le critique insiste également sur le son de Jan Garbarek, à la fois transparent et plein, évoquant le meilleur de Pharoah Sanders.

Excellent disque, entre romantisme éthéré et expressionnisme dru.

La critique AllMusic de Brian Olewnick attribue à l'album 4 étoiles et déclare : « Un enregistrement solide et, avec toutes les autres premières sorties d'ECM Garbarek, recommandé aux fans qui l'ont découvert beaucoup plus tard dans sa carrière. »

Jan Garbarek pas encore dégagé de ses influences free (notamment Albert Ayler).

L'historien du jazz et journaliste de Jazzwise, Stuart Nicholson, désigne Triptykon comme l'un des cinq enregistrements essentiels de Garbarek, notant qu'il présentait une « tournure radicale » dans son style musical.

Dans la même veine, la revue AllMusic de Brian Olewnick déclare : « Le saxophoniste norvégien Jan Garbarek a pris plusieurs virages stylistiques intrigants au début de sa carrière, aucun plus extrême que celui montré sur Triptykon... Un trio expressionniste s'appuyant à la fois sur l'improvisation libre et le folk scandinave, rugissant, trébuchant et chancelant, évoquant un équivalent sonore d'Edvard Munch. Le travail de Garbarek sur toutes les anches est assuré et imaginatif, même si le contexte est souvent sombre et lugubre.... Fortement recommandé.

Les compositions d'Art Lande mettant ici à l’épreuve un Garbarek flûtiste, ahurissant de justesse dans la mise en place de longues mélodies aux envolées vertigineuses à la fin desquelles les musiciens se retrouvent au rendez-vous fixé par l’écriture. Garbarek s’y montre léger et subtil, le saxo basse gronde. le soprano chante avec le même bonheur que dans le disque en quartet. Entre jazz et classique, belle musique introspective.
Peut-être reprochera-t-on à ce joli disque une certaine froideur...

Partie intégrante du Bobo Stenson Quartet, Jan Garbarek réalise avec Witchi-Tai-To, enregistré fin 1973 pour le label de Manfred Eicher, un des plus mémorables albums de jazz de la décennie.

Bobo Stenson, le pianiste, n'a rien à envier à un Keith Jarrett au meilleur de sa forme, au meilleur de son inspiration, de son agilité. Son jeu, complètement Jarrettien, rivalise avec celui du maître. Il est mélancolique, lyrique, puis léger et sautillant sur « Witchi-Tai-To », sensible et perdu dans ses pensées sur « Kukka », dansant sur « A.I.R. », cristallin, aérien, fluide, lumineux comme celui d'une harpe céleste, puis se fait maelström qui emporte tout sur « Desireless ».

Sur ce morceau fleuve de vingt minutes « Desireless » justement, les notes de Stenson s'envolent, son piano semble échapper à toute notion de gravité alors que Garbarek introduit un fabuleux thème mélodique, soutenu par les percussions, tellement puissant et ensuite si délicat, qui s'invitera également en fin de morceau, pour clore le trio. « Desireless » s'avère être une composition imposante et dont pourtant chaque seconde n'est que délectation. Rarement vingt minutes paraîtront aussi courtes ! Et rarement morceau n'entraînera l'auditeur avec tant de facilité; Celui-ci est littéralement happé par ces notes qui déferlent de la main droite de Stenson, une main qui semble vivre sa propre vie, complètement détachée, en apesanteur, et en même temps si incroyablement énergique. Stenson nous scotche et nous emporte avec lui, en transe. Et Garbarek n'est pas en reste, son long solo de saxophone ténor, en partie inspiré par John Coltrane, s'engouffrant dans des humeurs tour à tour excitées et aériennes, ce n'est plus un saxophone mais un insecte mécanique qui s'envole vers l'horizon, fait vibrer l'air et se voit être poussé dans ses derniers retranchements, on frôle souvent le point de rupture !

Au soprano, il se fait exotique et dansant sur « A.I.R. ». On décèle les prémisses de la passion de Garbarek pour les musiques du monde. Le très connu « Hasta Siempre » évoquera évidemment Gato Barbieri.

!Jan Garbarek, qui s'était un peu contraint à jouer une musique linéaire avec Art Lande, donne ici plus libre cours à son lyrisme qui, quoique contrôlé, est assez coltranien et même barbierien. Dans des compositions moins “ planantes ” qu’à son ordinaire - des thèmes signés entre autres par Carla Bley, Don Cherry et Jim Pepper, le jeu de Garbarek est plus intense que dans ses disques précédents (voir en particulier Desireless). C'est probablement le disque où il "se lâche" le plus. Sa sonorité au soprano étonne : proche du hautbois, mais aussi d'instruments folkloriques plus simples  Bobo Stenson se montre, en adepte de McCoy Tyner et de Jarrett, un accompagnateur attentif. L’accompagnement racé qu’il délivre avec Palle Danielsson et Jon Christensen est en tout point digne d'éloges.

Après le magnifique Witchi-Tai-To, Jan Garbarek et le Bobo Stenson Quartet changent radicalement d'humeur. Ici place aux atmosphères soucieuses de poésie et d'images raffinées, inspirées notamment par la culture et les origines nordiques du quartet. Plus feutré, plus intimiste, moins mélodique, Dansere est également encore plus représentatif de la signature sonore du label ECM, cristalline et spatiale.
Il suffit d'écouter le piano de Stenson dès "Dansere" pour se rendre compte que nous sommes là plus dans l'enregistrement d'une musique classique ou d'une musique de chambre que dans l'enregistrement d'un disque de jazz.

A peu près à cette époque sortait également Belonging avec le quartet réuni cette fois-ci sous l'égide de Keith Jarrett, et on peut faire la jonction entre les images des pochettes de ces deux albums, la pureté, la réverbération et le reflet de l'eau sur Belonging, le grand espace ouvert de Dansere. Deux directions qui se rejoignent et qui finissent par former en quelque sorte l'identité sonore du célèbre label de Manfred Eicher.

Une autre particularité de ce Dansere tient au fait que les compositions permettent une grande lisibilité des instruments. Lorsqu'un instrument est mis en avant, les autres diminuent leur intensité, ou restent en retrait, afin de lui permettre d'occuper un maximum d'espace, se rapprochant par là également d'un ensemble de chambre. On peut d'ailleurs noter que si Witchi-Tai-To était co-dirigé par Stenson et Garbarek, Dansere correspondrait plutôt à l'idée d'un Jan Garbarek Quartet, tellement celui-ci a pris l'ascendant sur le piano de Bobo Stenson.

On découvrira sur ce Dansere les influences folk des origines nordiques du quartet, plus particulièrement évidentes sur "Skrik & Hyl".

Cet album court (moins de quarante minutes), s'avère être moins évident et accessible que Witchi-Tai-To mais n'en demeure pas moins un excellent album, dans un style qui se situe entre Sonny Rollins, John Coltrane et Gato Barbieri avec un lyrisme prestigieusement maîtrisé et un son d'une belle densité.

Un disque assez surprenant, avec dans trois morceaux une harpe à vent. Jan Garbarek, accompagné par la guitare classique et 12 cordes de Ralph Towner, délivre une belle musique dépouillée et inquiétante.

Musique déchirée et déchirante distillée au goutte à goutte, chargée d’une forte intensité dramatique. Climats parfois livides, éclairés par la sonorité superbe, implorante, intense mais froide, du saxophone.
Musique d’une sereine beauté à l’angoisse sous-jacente mais riche aussi d’une émotion sans aucune trace de morbidité : musique ambiguë, énigmatique John Taylor, à l’orgue, tisse de grandes nappes denses, DeJohnette, fin, subtil, découpe ses figures rythmiques avec imprévisibilité et énergie. Bill Connors assure, à mi-chemin entre Abercrombie et Towner  L’absence de basse créé un climat particulier.

Enregistré en décembre 1978 au Talent Studio d'Oslo, ce disque regroupe Jan Garbarek au saxophone ténor et soprano, Bill Connors à la guitare, John Taylor au piano, Eberhard Weber à la contrebasse, et Jon Christensen à la batterie. Rien de très excitant, mais un disque de qualité.

Paru en 1980, Eventyr ("conte" en norvégien) est un disque en trio avec John Abercrombie aux guitares et Naná Vasconcelos aux percussions. Jan Garbarek s'est inspiré de mélodies traditionnelles norvégiennes, en allant visiter les collections musicales de Chateau Neuf

Selon certains critiques, Eventyr est le premier album de Garbarek où l'influence scandinave se manifeste aussi fortement et profondément, tout en étant une approche fraiche et nouvelle de l'utilisation de la musique folklorique. Eventyr est également l'album qui voit les premières critiques du travail de Garbarek, comme étant fade et manquant de profondeur émotionnelle...

La rencontre avec Bill Frisell est très fructueuse. Un excellent disque.

Wayfarer se caractérise par des paysages sonores éthérés, combinés avec la musique norvégienne. Bill Frisell est encore présent, avec Eberhard Weber à la basse. Assez proche de Paths Prints : même approche générale pour les ensembles. Le jeu de Garbarek est marqué par de longues phrases mélancoliques. On dira que le swing en est absent, mais l'objectif de Garbarek est plutôt de créer des interactions entre couleur, sonorité et rythme.

Méditation autour d'une vieille légende lapone, “ Legend Of The Seven Dreams ” s’apparente à la “ new age music ”. Cette musique planante revisitée par les soins d'excellents musiciens (Nana Vasconcelos, Eberhard Weber) évoque les grands espaces et contribue au voyage de l'esprit.

Enregistré pendant l’été 1988 au Rainbow Studio à Oslo, Legend of the Seven Dreams fait partie de ces albums de Jan Garbarek qui souffrent quelque peu de l’épreuve du temps. L’utilisation des synthétiseurs dessert clairement l’album (à ce titre « Voy Cantando » est symptomatique).

Garbarek a peut-être cédé un peu trop facilement à la tentation de composer des musiques très atmosphériques, ou aux structures trop compréhensibles. En écoutant Legend of the Seven Dreams on mesure le grand écart avec le jazz avant-gardiste, free et expérimental de Sart ou le superbe jazz de Witchi-Tai-To.

Paradoxalement, Legend of the Seven Dreams n’est pas non plus un mauvais album. En fait, il y a toujours quelque chose d’intéressant ou qui accroche dans un album de Garbarek. La mélodie introductive de He Comes From the North est tirée d’un chant traditionnel lapon. Cette longue composition de plus de treize minutes a quelque chose d'hypnotique.

Aichuri, the Song Man, dansant et mystique, est particulièrement réussi, avec son saxo alternant mélodies et rythmes. Les autres morceaux (Tongue of Secrets, Brother Wind , Send Word, Voy Cantando), malgré quelques bons passages, sont plus anecdotiques

Facile d’écoute et plaisant, Legend of the Seven Dreams vaut essentiellement pour ses premiers titres aux essences folkloriques. Ceux qui ne sont pas trop rebutés par des colorations synthétiques un peu passées pourront jeter une oreille sur cet album qui n’est absolument pas désagréable.

Jan Garbarek a pris les pierres runiques des anciens autochtones du grand nord européen pour sources d’inspiration. Le résultat est éclatant d’universalité : la musique est sans frontières, son passeur est norvégien, il se nomme Jan Garbarek.

Dans une critique de "Keyboard", Jim Aikin décrit l'album comme une « session d'euro-jazz envoûtante et évocatrice » et identifie « Gula Gula » comme « particulièrement mémorable ».

La critique AllMusic de Mark W. B. Allender attribue à l'album 3½ étoiles et déclare : « Une sortie plus éclectique que ses versions précédentes, I Took Up the Runes de Jan Garbarek satisfait les auditeurs qui étaient plus ou moins impatients de quelque chose avec de la viande et du muscle. Un signe de bonnes choses à venir.

On savait le saxophoniste norvégien Jan Garbarek amoureux des musiques folkloriques nordiques et scandinaves. Sur Ragas and Sagas c'est un nouveau dépaysement qu'il nous propose ; il s'associe avec le chanteur et musicien pakistanais Ustad Fateh Ali Khan et divers musiciens du Pakistan. Cette association pourrait paraître étrange mais cela va être l'occasion pour Garbarek de réaliser un de ses plus beaux albums.

Contrairement à Jon Hassell, qui reproduit les techniques de chant de la musique Hindustani à la trompette, Garbarek se cale sur le chant ou l'accompagne ; et il va mêler ses influences à celles des musiciens du Pakistan qui restent prédominants. Le saxophone de Garbarek se fond admirablement dans les humeurs de chacun de ces rāgas.

« Raga 1 » est introduit par le saxophone qui dresse le paysage exotique dans lequel vont se dérouler les rāgas. Sur un lit de tablas calmes, le chant très mélodieux de Ustad Fateh Ali Khan est accompagné par le sarangi légèrement vibrato. Une composition véritablement hypnotique !

« Saga », avec Manu Katché à la batterie, est un titre qui détonne quelque peu car il s'agit d'un mélange musical plus occidentalisé avec des synthés et un chant alternant mélodie, saccades et envolées. Le saxophone est ici plus présent et signe une très belle intervention.

« Raga 2 », est une ritournelle entêtante de plus de 13 minutes avec un thème où se superposent le chant de Fateh Ali Khan, celui de la chanteuse Deepika Thathaal, le sarangi et parfois même le saxo. Garbarek y recopie parfois les saccades de Fateh Ali Khan. On y ressent vraiment l'improvisation typique de ce type de musique; et c'est même le saxo de Garbarek qui s'autorise à relancer la ritournelle vocale.

Le sarangi introduisant « Raga 3 » nous offre des belles images, profondes et mystiques, de ces contrées avec également un thème répétitif autour duquel vont tourner les instrumentistes.

« Raga 4 » est également une belle pièce où Fateh Ali Khan semble entrer en transe, son chant approchant parfois le rire; très surprenant !

Ragas and Sagas est une œuvre à part dans la discographie de Garbarek. Et ça fonctionne !

Un des meilleurs disques de Jan Garbarek.

A l'image de la pochette, le son de Garbarek, qui lui est véritablement propre, est porté par une légère et froide réverbération et coule de manière cristalline, lumineuse, la pureté du son de ses saxophones est proprement stupéfiante ; ce n'est bien entendu pas une nouveauté lorsqu'on sait l'attention quasi obsessionnelle portée à celui-ci mais il faut le souligner encore une fois, on reste toujours admiratif quant à l'espace donné aux instruments, à l'image de ces immenses terres nordiques.

Twelve Moons divisera encore le public. Considérée comme trop facile, trop atmosphérique, ultra léchée – arguments que l'on peut entendre - la musique du Jan Garbarek Group est pourtant indéniablement digne d'intérêt, ne serait-ce que pour son sens de la mélodie et la maîtrise de l'instrument.

« Twelve Moons » qui entame l'album, comme « Brother Wind March », est représentatif de cette dichotomie. D'un côté les synthés peuvent rebuter par leur sonorité artificielle, les percussions peuvent évoquer un peu trop la world music « Huhai », mais le saxophone (essentiellement soprano) est excellent.

La suite se tient bien mieux. Le chant à la fois magnifique et triste de Agnes Buen Garnås sur « Psalm » qui compose avec un saxo qui émerge d'un tapis de synthés est un ravissement profond. Souvent de longs silences ponctuent le phrasé du chant ou du saxophone, renforçant cette impression de liberté et d'espace. Les arabesques sur « Brother Wind March » sont particulièrement touchantes, les pleurs du saxo de « The Tall Tear Trees » font frissonner. La longue pièce de 12 minutes « Gautes-Margjit » est un concentré de sensibilité, de sérénité, d'écoute et de raffinement.

Twelve Moons reste un album jazz malgré son côté largement métissé et son peu de swing. Le piano de « Arietta » touche à la musique contemporaine de Steve Reich ou de Philip Glass. « Witchi-Tai-To » est un rappel au saxo et piano du thème du superbe album de 1974.

Retour de Garbarek à une musique plus habituelle, un excellent disque.