Jean-Claude Acquaviva
"Essere ciò che difendiamo e non difendere ciò che siamo"
(Corse Matin du 2 février 2008)

Foto : Pierre-Antoine Fournil für Corse Matin

Il nostro focolaio è stato portato dal Riacquistu e il desiderio di diffondere le cose dal nostro patrimonio che si perdevano. Oggi, in una naturale continuità, è alla creazione NOURRIE di tutte i nostri incontri che debbiamo la maggior parte del nostro repertorio.

E da tutti questi incontri, qual'è stato, ad esempio, il più eclatante?
Georgia e il coro di Tbilissi col quale abbiamo moltiplicato gli scambi nei primi anni'90. Ci sono due canti georgiani nel nostro nuovo album e laggiù, I canti corsi sono stati registrati in Georgiano.

Queste fusioni culturali con gli altri galvanizzano la propria creatività?
Anche inconsciamente, un incontro proficuo e sincero lascia impressioni indelebili e le influenze affliorano le nostre parole, la nostra musica, le nostre armonie.

Che dicono di voi i pubblici stranieri?
L'accoglienza è calorosa ovunque, perché non vi è nessun paese che non manifesti un interesse per l'arte vocale, a causa della sua dimensione senza tempo, e che non sente un fascino per il lavoro delle voci. Questa miscela di entusiasmo e di curiosità è più evidente in Germania, Austria e Scandinavia che nei paesi del Mediterraneo un po 'meno vincolati a questa forma di esotismo che possiamo ripresentare altrove.

La prossima apertura in Corsica di un centro d’arte polifonico ?
Sartène, Pigna. Abbiamo bisogno sia di strumenti culturali e delle modalità per farli funzionare. Tutto ciò che potrà facilitare l'apertura è una buona cosa. Contrariamente a quanto alcuni credono, la protezione non è la soluzione migliore. Non dobbiamo difendere ciò che siamo, ma essere ciò che difendiamo.

Anche se il canto è diventato meno rivendicativo, vi sentite ancora politicamente investiti?
Paradossalmente, allontanarsi della canzone-volantino rende più forte il messaggio che si desidera realizzare. Il modo migliore per esprimere il proprio incrollabile amore per la Corsica, la lingua, la letteratura, la poesia è di decomplessare la musica, farla vivere al contatto con quella degli altri. Porre fine a questo processo di trapianto è una pericolosa postura che porta alla propria santuarisazione. E un santuario emana sempre un profumo di morte.

I vostri sentimenti su l’ennesima crisi in Corsica attualmente?
Il sentimento d’avere la testa alla rovescia. Abbiamo bisogno di dare alla Corsica i mezzi per produrre corsi e non ostinarsi a credere che sono i corsi che fanno la Corsica con una statica idea di ciò che siamo. Le cose sono in continua evoluzione. Fermare loro corso è un'illusione che può avere gravi ripercussioni sul piano etico, come l'esclusione.

Come può essere evitato?
Facendo racinare l'idea che il progresso non può essere che il risultato di tale lavoro, il rispetto, la disciplina, la nostra capacità di resistere in intelligenza, l'onestà e il dialogo. Questo mondo e la sua storia ci insegnano che con la forza non si raggiunge nulla.

Parole raccolte da par J.M. Raffaelli

Per presentare "Tra Noi", niente di meglio che lasciare la parola ai principali interessati: Laurent, Suzan, Christina e Martijn.

"Siamo due coppie di amici: Susan e Laurent Lohez e Christina Martijn La Feber. Viviamo in Olanda. Laurent è un francese espatriato. Come lei, siamo tifosi di A Filetta. (...) Ben presto, ci siamo resi conto che la maggior parte delle informazioni su A Filetta erano solo in francese. Per evitare questa frustrazione, e di più per aiutare a scoprire A Filetta agli olandesi, abbiamo deciso di dedicar loro un sito web. Dopo aver preso contatto con Sabine Grenard, e con il suo consenso, abbiamo iniziato a lavorare ".


E TRA NOI (www.tra-noi.nl) è nato il 7 ottobre 2007!

L’intervista con A Filetta realizzata il 16 dicembre 2007

E 'Venerdì 16 dicembre e Tra Noi assiste al concerto di A Filetta nelle chiesa di San Pietro d'Utrecht. Durante il tour di A Filetta in Olanda, Laurent ha l'onore di leggere i testi in lingua olandese che Jean-Claude Acquaviva dice in francese e in lingua corsa per introdurre i brani.
La chiesa è piena, e gli uomini arrivano. Tutto è silenzio, come se non si poteva più respirare. I primi suoni tengono la promessa, è superbo. Essi cantano diversi canti che appaiorono sul nuovo album nel 2008, canti di Medea, il Requiem, dei film Liberata e Himalaya l'Enfance d’un chef. Il suono è eccellente, e il pubblico è ovviamente colpito. A Filetta a trovato il suo posto. Dopo una standing ovation, tornano per un ultimo brano.

Aiutiamo Valerie a vendere CD, ed è bello vedere l'entusiasmo del pubblico e per molti un CD non è sufficiente. Ciò che hanno sentito, vogliono ricordarlo. Dopo che il gruppo ha parlato con molti tifosi, andiamo al ristorante. E lì, sulla bella piazza di San Pietro, Suzan chiede gentilmente ad A Filetta di cantare "Sub tuum”. Jose e Maxime che marciavano in avanti sono richiamati, fà freddo, gli uomini si dispongono in cerchio e si fanno uscire le orecchie dal cappello. E un momento magico, qui in questa piazza, al freddo, è sublime! Che regalo!

Dopo gridiamo: "Mangiare!" e ci mettiamo in moto. Maxime ha una pianta in mano e ci guida, Paul e Ceccè giocano e cercano di ritenere i ciclisti che trascorrono, gli altri si fanno due chiacchiere. L'atmosfera è rilassata, è stato un bel concerto.

Nel ristorante ordiniamo molte pizze "A Filetta" con una birra e iniziamo l'intervista. Laurent e Jean-Claude pendenti l'uno con l'altro iniziano la discussione. Gli uni ascoltano, gli altri discutono.

La prima questione è di Christina. Questo riguarda la traduzione esatta di un testo (Christina traduce i testi in poesia olandese.) Si tratta del brano "Caracolu di brame" di Intantu. Jean-Claude si siede e dà la sua traduzione. Anche per lui, è difficile e usa le mani per spiegarsi:

Jean-Claude Acquaviva: E 'difficile da tradurre. Questo testo è stato scritto originariamente in corso, dal mio fratello Marcellu. Il corso è una lingua molto colorata e quando la traduci in francese, a volte si perde l'effetto desiderato.

Tra Noi: Quali sono i tuoi poeti preferiti?

JC: Borges, René Char, Aragon e Primo Levi sono i poeti che cito di più.

Alla gioia di Christina, Pessoa e Paul Eluard sono sulla lista.
Tra Noi: La polifonia è riservata agli uomini?

JC: La polifonia si praticava al momento dei lavori nei campi. In realtà, gli uomini cantavano fra loro perché lavoravano fra loro. Non vi è alcuna polifonia mista perché, esteticamente, la sua architettura è tale che se mescoli voci di tessiture diversi, annuli gli effetti armonichi. Se fai cantare insieme uomini e donne, non cantano negli stessi registri. Pertanto allarghi i registri, lo spettro e si ottiene più lo stesso suono. Naturalmente gli uomini cantavano insieme, cantavano insieme alle donne, ma non in polifonia, semplicemente perché è difficile trovare un amplitudine sufficiente delle voci. In genere è difficile trovare sia bassi, oppure voci che si innalzano a sufficienza. Si tratta di un problema di gamma. Se gli uomini e le donne non cantano insieme, è quindi legato all’organizzazione della società, una spiegazione puramente estetica e musicale. Ma nei 20 / 30 anni recenti, vi sono gruppi di uomini e di donne che hanno composto, ma alla fine non cantano nelle stesse modalità. Questa non è una spiegazione scientifica, ma è  prova sufficiente che possa giustificare il motivo per cui essa non esiste.

Tra Noi: Come si svolge la creazione di un programma per un tour? Chi ha deciso di includere una determinata canzone?

JC: Dipende da molte cose. Discutiamo insieme. Molto spesso è legata alle nuovità, a ciò che vogliamo cantare, all’equilibrio del programma. Per dare un esempio concreto, nel programma del tour olandese, abbiamo incorporato un certo numero di canti del nuovo album che abbiamo registrato nel mese di gennaio. Ciò permette di rodarli, ma anche di farli maturare. Dalla creazione alla maturità, c'è un sacco di lavoro.

Tra Noi: Avete luoghi preferiti per cantare? C'è una sala in cui vorreste tornare?

JC: Non particolarmente. Ci piaciono alcuni acustichi. Alcuni sono più adatte a ciò che facciamo. Non ci piacciono le grandi sale, perché la nostra voce è più intima e abbiamo bisogno di concentrare un potente suono. Questo è più in linea con ciò che facciamo. Noi non cantiamo nelle grandi chiese. Vi è un suono che si trasforma, e questo è molto fuorviante. Per noi, la sala ideale è una chiesa di 300 a 400 posti a sedere, o una piccola sala con un buon suono. A quel tempo, si ha un buon rapporto con il pubblico che non è alterata.

Tra Noi: Molte persone sono molto attratti da A Filetta, la sua armonia, la sua passione, la musica sublime, i testi. Per me (Suzan), siete sette angeli. Cio che fate è buono per il cuore, ci colpisce, ci abbraccia. Come è essere adorati e rimanere ancora semplici Corsi?

JC: Allora in primo luogo, siamo lieti che abbia questa visione di noi. Lei deve sapere che questa visione non è per noi, in ogni caso, un desiderio di costruire questa immagine. Qui cito André Malraux: «L'uomo non è né angelo né bestia. Cercando di fare l'angelo, fà la bestia."

Quello che è importante per noi sono due cose: uno è quello di essere sempre critici nei confronti con noi stessi. Se un giorno diciamo "quello che abbiamo fatto è stato buono", allora sarebbe finito. Ciò significa che cominceremo a ruzzolare. Il nostro approccio è la ricerca di un equilibrio che sappiamo non poter mai raggiungere, ma la cosa più importante è quella di cercarlo. Due: E 'di rimanere umili. Siamo pienamente consapevoli del fatto che senza quello che ci ascolta, non saremmo assolutamente nulla. E una certezza. Perché abbiamo un canto che ha senso solo di essere ascoltato. Siamo fermamente convinti che il collettivo esisti, un modo di pensare le cose gli uni con gli altri, gli uni contro gli altri, di fronte a vicenda. Ecco come funziona la nostra musica. È questa immagine, se vuole, che siamo lieti di mostrare. E questo è possibile solo se ci sono persone che ci hanno sostenuto e ci hanno permesso di vivere questa avventura, dalla quale sono esclusi la relazione economica, il rapporto gerarchico. E questo, nel mondo di oggi, non esiste più da nessuna parte.

A volte la gente dice: "Sì, ma la relazione economica, ovviamente lo vivete, perché state vendendo concerti, CD ...". Lo ammetto. Ma siamo stati fortunati a trovare un pubblico che ci segue senza essere costretti a fare concessioni sulla qualità artistica. Non ci siamo mai messi in una posizione tale da dire: "Bene, va ', bisogna arranciarsi un po', fare qualcosa che funziona bene." Quel che facciamo, lo facciamo . E 'difficile. Non è sempre facile farci sentire, farci ascoltare, eppure abbiamo un pubblico. Ed è proprio grazie a questo pubblico, e perché ci sono persone come te che possiamo continuare. Da lì, non è possibile che di essre umili.

Tra Noi: Alla fine dell’ultima presentazione fatta da Laurent, egli annuncia che il pubblico potrà acquistare i CD alla fine del concerto. Questo ha fatto molto ridere l’assistenza. Come l’avete vissuto?
JC: Già ieri, la gente si mise a ridere. Ci abbiamo ripensato e pensiamo che hanno riso, perché è venuto a seguito dell’ ultima introduzione. Abbiamo riso anche noi, semplicemente. A questo proposito, abbiamo ricevuto questo anno, a Calvi per les Rencontres, Giovanna Marini. Una cantante popolare italiana che ha svolto un ottimo lavoro sulle voci. E una signora che è tra i 65 e i 70 anni. Ha fatto il suo concerto con altri tre cantanti. Durante i concerti, ella parla e diverte molto il pubblico. E alla fine degli concerti, dice "ebbene, vi spiego. Abbiamo fatto CD e le case di produzione gli fanno ma non si vogliono venderli. Quindi, i nostri CD prendono la polvere , siamo obbligati a pulirli. Così, per non farlo, vendiamo i nostri dischi noi stessi. " Allora ella va dietro le quinte e ritorna con scatole di CD, si posta nella parte anteriore del palco, e ci vende. Il suo agente dice che, dal momento che lei l’ha fatto, vende incredibile quantità di dischi. Noi, è fuori discussione che facciamo la stessa cosa. Mai oserebbemo da farlo. Abbiamo riso molto, perché in questo tour, è l'unica volta che annunciamo che vendiamo CD. Mai, mai prima l’abbiamo fatto. Per tornare alla tua domanda, abbiamo riso molto, ma questo non ci ha disturbati.
Maxime: Dicevi: "... l'altruismo, l’abnegazione, ... ci sono dischi ad acquistare alla fine del concerto." E tutto questo sullo stesso tono. Era poetico! (ride)

Suzan:  E 'stato veramente buffo, e ha dato i suoi frutti.

Tra Noi: Dopo quasi trenta anni di esistenza, a volte sentite che la passione si è ridotta? Cosa fate per ravvivare la fiamma?

JC: Guarda, onestamente, non abbiamo la sensazione che la passione si affievolisce. Senza dubbio, si verificherà un giorno, ma finora non l’abbiamo ancora sperimentato. Forse perché facciamo cose molto diverse. Quello che è importante per un gruppo come il nostro non è di avere un piano di carriera. Siamo sempre rimasti aperti agli altri, alla loro capacità di suggerirci cose e viceversa. Ci ha fatto progredire ad ogni tempo, ci arricchisce. E ciò che è accaduto con Bruno Coulais, quando abbiamo iniziato a fare musica per film. Da allora ne abbiamo fatto molto. Abbiamo incontrato molti musicisti. E 'stato con uno di loro che abbiamo fatto il Requiem. Abbiamo presentato Bruno Coulais ad Orlando Furioso, il regista napoletano, e dopo questo essi hanno fatto molte cose insieme. Questo non è una fuga in avanti, si fà molto naturalmente. In realtà, abbiamo costantemente un senso di nuovo, d’inedito. 

Tra Noi: Christina vuole che Jean-Claude descrive A Filetta in una sola parola.

JC: Allora ... (Jean-Claude si ferma, pensa, ride, vuole riprendere la sua frase, ma Christina è rigorosa e dice: "Una parola"). Una parola ... Ciò significa che sono troppo chiachierrone...

Laurent: È piuttosto perché abbiamo molte domande e che, se poniamo tutte, siamo qui fino alla colazione. 

Suzan: Una parola per descrivere Filetta, sarebbe ... A Filetta?

JC: Sono DUE parole. Una parola ... (Jean-Claude sembra molto concentrato), una parola ... questo sarebbe ... (ride), che sarebbe ... (ride di nuovo), una parola che deve aprirsi ad altre cose, perché è una parola troppo difficile. Credo che, a mio parere, vi è qualcosa di importante ...
(ridiamo ancora)

Christina: No, una parola sola !

JC: Una parola ... (ride), una parola, vorrei dire « sincerità », perché è una parola che copre diversi aspetti.

Suzan: Una parola non è sufficiente.

JC: (alleviato) Si, assolutamente.

Tra Noi: La cosa che ci manca, come fan di A Filetta è un Live DVD. E 'nei piani?

JC: Ci abbiamo già pensato, ma non specificamente per un concerto generale. Ci sono un certo numero di repertori che potrono essere registrati dal vivo. Ad esempio, il coro della Medea. Ci diciamo ora che avrebbero dovuto farli Live e magari su DVD. Perché cosi avevano una maggiore sincerità. Quando abbiamo inciso Medea, ci siamo concentrati su un certo numero di cose e all’arrivo ci rendiamo conto che questo non è essenziale. E il CD non dà ciò che egli avrebbe potuto dare dal vivo. Per tornare alla tua domanda, ci pensiamo sempre di più. Sappiamo anche che il CD è una cosa che è molto più fredda. Nel nostro modo di cantare, ci sono cose che parlano di più quando si ascolta un disco. Ma ci chiediamo: è questo un DVD, il concerto è la stessa in concerto? Io non ne sono così convinto.

Tra Noi: Senza alcun limite, quale sarebbe il sogno più matto che desiderei raggiungere?

JC: Non so se farei un voto per A Filetta. Vorrei esprimere un desiderio per il pianeta. Questo può sembrare pretenzioso, ma dico che spero che questo approccio è che il nostro modo di lavorare in gruppo, nella musica, può servire come un esempio. Quello che voglio dire è che mi piacerebbe vedere nella nostra società un rispetto reciproco, ma anche una complementarietà, una solidarietà ... Che abbiamo bisogno degli uni e degli altri, che siamo gli uni con gli altri, che questo modo di fonzionamento può essere trovato altrove nella società. E 'al mio parere quello che abbiamo di più precioso da dare. 

Tra Noi: Una domanda sul gruppo stesso, sulla sua complementarietà, la solidarietà, come si fa a spiegarlo?

JC: E 'così semplice. Se voi, A Filetta non s’è costituito solo su base estetiche, musicale o artistiche. La creazione del gruppo risale al 1978. A poco a poco, le persone che si sono uniti al gruppo sono persone che hanno un po 'di tempo frequentato lo gruppo. Vi è stata una sorta di periodo di approccio, per così dire, e ad un certo punto hanno raggiunto il gruppo. Vale a dire che hanno sperimentato la vicinanza emotiva e filofica.

Dal gruppo originario, ci sono solo Jean ed io. Dopo è venuto Paulo. Era a scuola con me, ma lui non sapeva cantare. Era un amico di un compagno di scuola che amava cantare. A poco a poco, è entrato nel gruppo. Ci siamo trovato desideri in comune, la voglia di costruire insieme. Se si prendono gli altri, è esattamente lo stesso. José lavorava con uno dei fondatori di A Filetta per una scuola di canto in l’Ile-Rousse. Dopo un po 'di tempo, naturalmente, ha aderito al gruppo. Per Maxime, è la stessa cosa. Ha cantato un sacco di Messe in confraternite. E a un certo punto, vi è stata una sorta di osmosi, ed è entrato nel gruppo. Jean-Luc, lo stesso. Quando era molto giovane, è venuto a cantare nei nostri workshop. Egli è venuto a cantare con noi 2-3 volte per Passione, per quello che abbiamo fatto a Calvi. Naturalmente, è entrato a far parte del gruppo. Cecca, mia nipote, c’è la prossimità familiale, ma anche il fatto che abbiamo fatto un concerto a Calvi, con altri cantanti. Egli ha ripetuto e cantato con noi ...

Nel frattempo, le pizze, i dolci e i caffè sono consumati, vorremmo chiedere nostre domande fino alla colazione, ma la realtà è che gli uomini debbono partir domani matina per Anversa, e dal momento che è mezzanotte, ci diciamo addio ...

Parole riprodotte con il cortese permesso di Tra Noi.

Colloquio al Carubbu con A Filetta


Questo 19 settembre 2006, A Filetta al completo ci accoglie nella cucina del Carubbu. Jean-Luc e Ceccè sono ai forni, e il gruppo (senza José, partito frattempo a cercare il suo bambino a scuola), prende il pranzo, mentre risponde alle nostre domande.

Il "Carubbu"

La buca delle lettere di A Filetta

I XVIIIi "Rencontres"

L'invitu (Pierre, Jean-Claude, Pascale e Anne Marie Casanova e Françoise Coulomb) : 
Prima di tutto, che bilancio tira A Filetta di questi 18i Rencontres che appena si sono concluse, quali sono le vostre sensazioni sulle loro prestazioni, e cosa vorrebbero forse vedere evolvere?

Jean-Claude Acquaviva: Ci sono molte cose da dire ; si potrebbe anche dire fra noi cose diverse. A mio parere, credo che questi incontri, a livello programmatico, sono stati forse una delle migliori edizioni, dal momento che la programmazione è stata molto coerente. Noi, ovviamente, abbiamo qualche rammarico, soprattutto per lo finale, il fatto di non essere stato in grado di mantenere ciò che era stato pianificato al’esterno. Abbiamo anche alcuni dubbi circa il concerto a Bastia; non Faiz Ali Faiz, perché è stato grande, ma in Bastia vi è un problema di adeguatezza.

L’invitu: Anche noi ne abbiamo parlato tra di noi, abbiamo avuto la stessa sensazione.

J.C.A. : Il luogo non è adatto, ma è l'unico accettabile in Bastia. Il teatro non è utilizzabile, perchè è chiuso in questo periodo dell'anno, inoltre, sta per chiudersi per riparazioni. Ciò renderà le cose ancora più difficili, anche se avrebbemo voluto il teatro. Quindi, per Bastia, abbiamo qualche dubbio sul modo in cui si svolge.

Jean-Claude Acquaviva risponde alle domande poste da L'invitu

Del resto, ne abbiamo parlato di nuovo questa mattina tra noi, c'è ancora un punto di equilibrio da trovare tra polifonia e voci. Quest'anno, vi è stato relativamente poca polifonia, ma è perché in 18 edizioni, non sto dicendo che ne abbaimo fatto il giro, ma abbiamo programmato un sacco di cose, e siamo in difficoltà ad ogni anno, a proporre cose non direi inedite, ma nuove, che ci portino qualcosa. 

E 'stato già suggerito nel passato che, invece di avere questa preoccupazione, a fare cose nuove ogni anno, sarebbe bello che le Rencontres diventino la vetrina di alcuni artisti che abbiamo potuto seguire nella loro evoluzione, nel loro percorso. Ciò avrebbe permesso di programmare ancora alcuni artisti. Ma è inoltre necessario che questi artisti abbiano una traccia, è questo è il problema. Purtroppo, i georgiani sono venuti 7 o 8 volte, ogni volta hanno dato lo stesso repertorio. E qui si blocca in qualche modo

L’invitu: Che cosa ne pensano gli ospiti artisti, quale ritorno avete da loro?

JCA : E variabile : ci sono artisti che vengono e ripartano davvero arricchiti dalle Rencontres, e poi ci sono quelli che vengono e passano un po 'attraverso. Succede. Ci sono persone che non capiscono. Ce ne sono stati nel passato, credo che anche questo anno, non tutti abbiano vissuto le Rencontres nello stesso modo. Ci sono persone che dicono "Bene, sto davvero in un momento di comunione," qualcosa è accaduto, e ci sono persone che vengono, partecipano e ritornano, è tutti gli anni cosi.

L’invitu:  Chi sceglie gli artisti?

JCA : Questo anno, in gran parte la programmazione è stata fatta da Valérie. Per anni abbiamo lavorato ascoltando gli uni e gli altri. E Jean-Temir (*) che viene a dire "ho avuto un contatto, è necessario ascoltare un determinato artista, ci facciamo inviare dischi", ecc. Il problema è che a un certo punto vi è un problema di crescita non solo delle Rencontres, dallo Svegliu in generale. Noi A Filetta sulle Rencontres abbiamo un ruolo di host, ma non abbiamo alcun ruolo nella logistica ...

Paul: Andiamo anche a cercare gli artisti all‘aeroporto...
JC: Sì, per lungo tempo l’abbiamo fatto, ma non ce la facciamo più, e allora questo anno vorrei dire che la maggior parte della programmazione, è Valerie che l’ha fatta ; ben inteso, ella ce la propone, ma il lavoro di ricerca, di recupero, è lei cei lo fa. In caso contrario, potrebbe essere qualcosa di collettivo, ci prestiamo registrazioni…

L’invitu:  E qual è il ruolo di Accentonic?

Accentonic è qui solo perché vi è A Filetta e perché ci sono artisti che sono da Accentonic, altrimenti Accentonic non ha alcun ruolo nelle Rencontres (*).

(*) Precisione, su richiesta di Sabine: Accentonic non è il tornitore di Julia Sarr, questo è Mad Minute Music. Sabine Grenard è agente free-lance in collaborazione con diverse agenzie che hanno solo un ruolo amministrativo (contratti, salari record). Quindi A Filetta e Warsaw Village Band sono con Accentonic.

(Jean-Claude non ha mangiato un boccone di pasta. Decidiamo d’interrogare un altro membro del gruppo).

Il gruppo

L’invitu:  Ceccè, come è stata la sua integrazione nel gruppo, e come vivi la doppia adesione con U Fiatu Muntese, non è troppo difficile?

Ceccè: No, è stato necessario per assicurare I concerti del Fiatu di questa estate, è stato logico, ma non ha posto alcuna difficoltà.

L’invitu: E l'integrazione in questo "vecchio gruppo di giovani »?

Ceccè: Con solo vecchi, non si sa come fare ! (ride)

L’invitu: Ciò che ci stupisce è com’è naturale ...

Max: Lo conoscevamo da molto tempo.

L’invitu:  Sì, l’avete misurato, considerato ... Come spettatori, abbiamo sempre il timore che qualcosa sia inceppata, ma è incredibile, riteniamo che non vi è un armonia, si svolge un osmosi.

Paul: Quando ascoltavo un disco di polifonia, facevo zapping. È stato abbastanza casuale: ero seduto nella mia poltrona ad ascoltarli e Jean-Claude ha detto, "perchè non provi a cantare? "

L'Invitu : E hai provato ...

Jean-Luc: Se fosse stato in grado di tenere la lingua! (ride)
Paul: Egli mi ha proposto e ho tenuto duro.
L'Invitu : Prima non cantavi ?

Si trattava di Daniel Mesguich. Tuttavia, per fortuna non si svolgerà nel mese di ottobre, perché è stata la scena di mattina fino alle 10 ore per la rappresentazione, nel pomeriggio! Per montare il set, salvare l'audio, ripetere con l'orchestra ...

Le travail du chant

Une question à laquelle tout le monde pourra répondre, puisque c’est sur le travail individuel du chant. Comment se fait votre travail individuel ? Comment s’est fait progressivement le placement de votre voix, comment cela continue-t-il d’évoluer au sein du groupe, le timbre... A l’écoute du DVD de Don Kent, on apprend par exemple que Bruno Coulais vous faisait aller beaucoup plus dans l’aigu ou dans le grave, donc ça continue d’évoluer constamment. Comment chacun ressent-il ça, travaille-t-il ça ?

Jean-Luc : Quand on travaille sur une partition, on a chacun notre voix, qu’on travaille à la maison. On n’a pas de méthode de travail particulière, on a une voix qu’on doit apprendre, et ce sont les compositions qui font aller plus loin. Quand on fait un truc avec Bruno, à chaque fois il fait monter un peu plus les basses, il fait descendre dans le grave les aigus et inversement, ce qui fait qu’on évolue Max : la méthode particulière, c’est de travailler sur ordinateur.
Jean-Luc : Pour les partitions écrites (celles de Bruno, Si di Mè, pas Médée ni les chants traditionnels), on a un logiciel qui lit la partition, les 7 voix, on peut mettre 6 voix en piano et la 7^e, la nôtre, en trombone, on fait jouer à l’ordinateur, ça permet d’entendre ta voix, tu peux même couper les autres voix et ne laisser que la tienne, ralentir le tempo, l’accélérer, ça permet de travailler en précision sur ta voix à la maison. Quand on travaille  sur une musique de film de Bruno on fait comme ça, on travaille 3 ou 4 jours à la maison, on déchiffre bien notre voix, et une fois qu’on la connaît suffisamment, on se retrouve tous ensemble et on essaie de faire fonctionner tous ensemble les voix que l’on a appris individuellement. Ca c’est pour les partitions.

A Filetta en répétition, 21/08/2005 (photo : Jean-Jacques Filippi)

Et quand ce n’est pas écrit ?

On tâtonne ! On travaille ensemble.

Vous enregistrez vos répétitions ?

Pas assez...

Donc à chaque fois vous repartez un peu à zéro ?

C’est la mémoire.

Avec tous les chants que vous avez appris, ça ne se percute pas un peu ?

Jean-Luc : Au contraire, c’est ce qui permet d’entretenir la mémoire. Plus tu en apprends, plus tu peux en apprendre.
J.C. : Attention, même ceux qu’on a fixé sur ordinateur on les apprend par cœur. Quand on a fait Marco Polo avec Bruno, on est obligé. Ce n’est pas forcément le cas d’autres musiciens qui travaillent avec Bruno, ils ont leur partition, et ce qui est terrible, c’est qu’on se rend compte justement que pour le coup tu ne mémorises rien. Ils jouent mais ils sont dans le cirage. Il peut arriver qu'ils se trompent, mais ils continuent imperturbablement. Nous, à la limite, avec notre façon de fonctionner, on essaierait de rattraper, eux même pas.

Ça veut dire qu’ils n’écoutent pas ce qu’il jouent ?

Justement, ça veut bien dire que c’est la façon dont on les forme.

C’est de la mécanique !

On les forme à être en place et à jouer. Très souvent, les problèmes viennent du fait qu’il n’y a pas de chef qui leur donne un départ. Donc ils ne savent pas, ils ne comptent pas. Nous, quand on faisait Himalaya, on comptait  27 mesures avant de rentrer sur Le Lac. Quand vous dites ça à un musicien, il rigole !  27 mesures, c’est un truc de fou. Il dit, attendez, on va vous faire signe ! Le musicien est là, il attend, tac, et il joue sa partie.

Mais ils n écoutent pas ?

J.C. : C’est comme ça. Attention, le problème, ce n’est pas parce que ce ne sont pas de bons musiciens, c’est parce qu’on les a formés à jouer comme ça. On leur demande d’interpréter une partition, on ne leur demande pas d’écouter ce que fait le pupitre d’à côté. Alors que nous, c’est exactement l’inverse. C’est pour ça qu’il y a beaucoup de musiciens qui ne trouvent pas leur compte au sein de l’orchestre. Il y a plein de gens qui sont malheureux dans les orchestres.

C’est très militaire, en fait !

Bien sûr.

L'émotion

Cela nous amène naturellement à la question suivante, il y a quelque chose qui revient constamment dans la bouche des spectateurs, mais aussi dans les interviews, c’est l’émotion que l’on ressent à l’écoute de vos chants. Il y a quelque chose de particulier qui se passe. Est-ce que vous le ressentez ? Comment l'expliquez-vous ?

On en parlait avec Vincent Zanetti. On a souvent eu des gens qui sont venus nous voir en fin de spectacle, des gens qui étaient émus au point de ne pas pouvoir parler. On n’a pas d’explication, mais j’ai une idée là dessus, elle vaut ce qu’elle vaut, moi je pense qu'ils ne sont pas émus par une esthétique, par des harmonies ou par une architecture. Ce qu’ils reprennent en pleine tête, je pense que – et c’est pour ça que la liaison est bonne par rapport au fonctionnement – on est un corps composé de divers individus qui ont chacun sa personnalité et qui réussissent à former un corps. Je pense que l’idée est là : nos sociétés modernes ont dans leur production, leur organisation, tout conçu de façon pyramidale et individuelle, et en cloisonnant les responsabilités. Pour tout, et on le voit quand il arrive une catastrophe, on essaie de remonter tout de suite la chaîne des responsabilités, parce que c’est organisé comme ça. On dit : « Untel fait ça, il ne fait que ça, il a bien fait ce qu’il devait faire ».

Nous, en tant que corps, on ne peut pas fonctionner comme ça. On est un corps qui ne fonctionne que quand tout le monde contribue à le faire fonctionner, et contribue en prenant à sa charge tout le corps. Il y a un vrai collectif qui est une sorte de cocon, et je crois qu’on renvoie cette image à des gens qui naturellement ont besoin de ça. Je ne vais pas faire le philosophe, mais je pense que l’homme à l’état de nature a besoin de ça, de savoir qu’il fait partie d’un tout, qu’il s’insère dans un ensemble et qu’il est en même temps acteur de son propre rôle et aussi acteur d’une partie du rôle des autres. Et ce système ne fonctionne que dans la mesure où on s’abandonne au collectif tout en gardant chacun sa personnalité. C’est un collectif qui s’enrichit de l’abandon de tout le monde, mais qui n’impose à personne d’abandonner sa personnalité.

Et je crois que c’est ça qui frappe les gens : quand ils écoutent par exemple les chœurs de Médée,, les gens se disent « mais comment ils peuvent chanter ensemble des choses qui ne sont pas mesurées, ils n’ont pas de repères, qui fait quoi, qui commande quoi », et là il n’y a pas de réponse.
Et d’ailleurs, j’analyse les choses comme ça, parce qu’on le voit bien, très souvent les individus modernes que nous sommes ont des problèmes avec le collectif, avec le groupe. A chaque fois qu’il arrive quelqu’un ici, une équipe de télé, des journalistes, des représentants des institutions etc., ils demandent qui est le responsable. C’est ça le problème. Notre musique est aux antipodes de ça. Et ça existe à l’état naturel, parce qu’on en a besoin, je ne pense pas qu’on soit fait pour ne jouer que son rôle et ne pas regarder les autres et surtout dire "moi, je fais ce que j’ai à faire, que les autres en fassent autant". Nous on ne peut pas fonctionner comme ça.

Tu as raison de signaler ça, car une grande partie de l’émotion, c’est ça. L’aspect fusionnel que vous donnez est bouleversant. Mais ça ne suffirait pas à expliquer l’émotion. On est ému parce que c’est beau ce que vous faites. C’est indissociable.

Je pense que c’est beau parce que c’est fusionnel. Ce n’est pas beau parce que intrinsèquement c’est beau. Parce qu'on a fait des choses qui ne sont pas belles non plus !

Tout à l’heure on parlait d’harmonie, c’est vrai qu’il y a des moments dans votre musique qui sont écrits de telle manière que c’est beau, ça touche. Ensuite il y a ce côté fusionnel qui fait qu’il y a un corps, une interprétation parce que vous êtes ensemble et que vous donnez énormément.

Tu sais, il faudrait faire un test. Il faudrait prendre un chœur classique et lui faire chanter un de nos chants. Ce serait intéressant de voir comment les gens réagissent à ça.

Ce qui fait la différence, c’est l’émotion, le côté tactile. Vous vous touchez, on sent une amitié entre vous.

Absolument, c’est pour ça qu’à mon sens, ça vient de là, ce n’est pas ce qu’on chante.

Le point de départ  c’est ça. Mais ce que vous chantez, c’est important !

Je ne dis pas que ce n’est pas important, ce que je veux dire c’est que après, tu aimes ou tu n’aimes pas, tu adhères ou tu n’adhères pas. Quand j’écoute de la musique classique, je préfère les symphonies de Mahler à celles de Beethoven.

Françoise : Il y une alchimie : c’est physique et relationnel.Tu pourrais dire qu’il y a une peuplade d’hurluberlus qui sont fous d’A Filetta, mais quand tu vois à côté de toi des gens que tu ne connais pas être émus aux larmes  … ma fille était aux Rencontres pour la première fois, eh bien Diane vendredi soir, quand vous avez chanté, elle pleurait !
Pierre : La première fois qu’on vous a entendus, pareil, et ça remonte à 1993, ce n’était pas le même répertoire.
F : C’est intergénérationnel, c’est incroyable, l’effet que vous faites c’est … comme le chocolat !


Moi, j’ai eu le même type de sensation lorsque j’ai entendu chanter les Georgiens pour la première fois. C’est la même chose, parce que je pense que c’est là-dessus qu’on se ressemble avec les Georgiens, au-delà de l’aspect polyphonique, des ressemblances sur le plan de l’harmonie, on est pareils sur le rapport entre nous et sur le rapport avec le public.

Et c’est pour ça qu’on aime aussi vous voir, ce contact direct avec ce que vous êtes
C’est un courant qui passe, ça rentre par les pores.

Encore une fois parce qu’au delà du fait qu’on dit des choses avec notre esthétique, il y a le fait qu’on est comme un corps, avec tout ce que cela a de fragile, de déséquilibré, de vivant, de tension, alors qu’on n’a pas ce sentiment là quand on voit un chœur classique.

Et vous ne donnez pas un spectacle.

On peut être touché par de belles harmonies, la voix de l’ange, mais chaque fois que j’ai vu des chœurs classiques chanter, il y a quelque chose qui ne se passe pas, ça n’empêche pas qu’ils puissent faire des choses qu’on leur envie souvent...

On n’est pas dans la technique avec vous, on est dans le sentiment, dans l’être, dans l’humain…

Donner du sens

Ca amène encore naturellement la question suivante : qu'est-ce que tu veux dire quand tu parles du sens, de la recherche du sens mais pas d’un sens ?

Oui, quand je dis du sens et pas un sens, c’est que justement, trop souvent on cherche un sens aux choses, c’est à dire que soit on cherche un sens en se donnant une direction, en se projetant et en disant « c’est là qu’on va », et à mon avis, ça ne peut pas fonctionner comme ça, on n’a jamais dit : « on va faire ci, on va faire ça, on a tel projet, on va aller à tel endroit… » Ce qu’on fait, ça ne peut pas se planifier, c’est fait de rencontres.

Il n’y a pas de stratégie.

Absolument, il y a des rencontres qui nous ont modelés, changés, transformés, qui ont fait qu’au fil de ces rencontres on a un profil nouveau à chaque fois. A mon avis, c’est la définition même de l’identité qui n’a de sens que dans la mesure où elle est en perpétuelle édification, sinon c’est quoi l’identité, ce que tu es maintenant, dans deux heures tu ne le seras plus, par la force des choses. Donc c’est une illusion de dire que je vais camper sur la tradition, c’est un peu ça qui me gêne dans le discours sur la défense de l’identité, qui a mon sens, ne tient pas. C’est contraire à toute idée de vie, et quand je dis "du sens", c’est aussi le fait que si on n’intègre pas le fait que chacun d’entre nous est multiple, que non seulement on est un groupe constitué d’individus qui sont eux mêmes multiples, donner du sens à ce qu’on fait, c’est éviter de demander à chacun de n'être que lui et de rester ce qu’il est, ce qui de toutes façons dans la vie n’est pas possible ; c’est pour ça que je dis "il faut donner du sens et pas un sens", et c’est la raison pour laquelle notre musique est variée, et c’est ce qui vous la fait apprécier.

Moi, je ne vais pas dire « je ne vais faire des choses que dans la mesure où elles sont en rapport avec ce que j’ai été à un moment donné ». De toutes façons, ce qui s’arrête se défait ; le jour où on s’arrête, on commence à dégringoler, et c’est applicable partout, y compris dans la technique. Le jour où on s’arrête d’être exigeant, d’aller au-dessus, fatalement on commence à redescendre, car les forces sont contraires !

L'accompagnement instrumental

Avant le final, petite question subsidiaire sur les instruments, que vous avez abandonnés, est-ce définitif ?

Paul : Pour moi, oui, le tambour à contre temps !
JC : On a eu cette discussion aux Rencontres sur le problème des instruments. Mon sentiment, c’est que la Corse, en tout cas le mouvement culturel corse depuis le début des années 70, a un gros problème avec les instruments. Cela me semble évident. Autant on avait une tradition orale très puissante, des voix, une science de la voix, de la pratique vocale, autant sur le plan de l’instrument, avec du recul, je ne vois pas quel groupe depuis le début des années 70 a réussi quelque chose sur le plan instrumental. Je suis très catégorique, les gens qui réussissent sont très souvent ceux qui sont en rupture avec le mouvement identitaire, ils sont dans un autre registre. Vous avez de superbes musiciens en Corse, mais vous ne les trouvez pas dans les groupes. C’est lié au fait que Canta u Populu Corsu en commençant, a donné un style, c’est celui de Jean-Paul Poletti, la guitare arpégée, et tout le monde lui a emboîté le pas, nous y compris, et que ça ne fait pas une ossature instrumentale, un chant techniquement cohérent. Je voyais sur ces Rencontres, et je le leur ai dit d’ailleurs, Rassegna, techniquement c’est très en place, aucun problème. Je voyais Julia Sarr et le guitariste, on aime ou on n’aime pas, mais la guitare avait de la dimension ; si vous écoutez des groupes corses, il y a une espèce de bouillie instrumentale.

On a la sensation que les instruments, notamment la guitare, retombent constamment sur les mêmes schémas...

Absolument, on est bien d’accord, mais c’est parce que d’abord, peut être que le mariage avec les voix polyphoniques n’est pas si évident que ça, et deuxièmement parce qu'on a toujours fait pour l’instrument ce qu’on faisait pour les voix, en ne tenant pas compte du fait qu’il y avait une tradition pour les voix mais pas pour les instruments, et qu’on n’a pas d’instrumentistes. Le peu d’instrumentistes qu’on a, ce sont des gens qui, à un moment donné, se sont mis à jouer de la guitare ; on s’accompagne, mais à mon avis c’est insuffisant.
De tous les gens qui jouent, pour moi  - c’est peut-être excessif ce que je dis - il y en a un seul qui a une réelle dimension sur le plan de l’accompagnement, c’est Jérôme Ciosi, il utilise une guitare comme un guitariste, c’est un vrai guitariste, il a une formation classique, il sait de quoi il parle.
Les autres, il y a beaucoup de choses maladroites, mal conçues. Moi, il y a des choses que j’ai comprises en évoluant dans le chant. Par exemple, la guitare arpégée, systématiquement faire un arpège de guitare en accompagnement, vous ramenez l’unité de temps à sa valeur la plus petite ! A un moment donné, (il chante la partie de guitare) ça fige les choses, d’abord ça donne une orientation…
Pour en revenir à ta question, à un moment donné on a pris conscience du fait qu’on n'était pas des instrumentistes, pas à l’aise dans ce domaine et même si on a pu faire des choses qui avaient un intérêt – je le disais à Bruno Allary de Rassegna – qui me disait "pour moi, votre disque Una Tarra ci Hè est superbe, je l’écoute…"

C’est notre avis aussi !

Sans doute, mais moi, quand je réécoute les parties instrumentales, je me dis que ce n’est pas ça.  Bon, les parties vocales non plus (rires). Avec le recul, on n’est pas content de ce qu’on a fait.

Ca fait partie d'une progression.

Absolument, on fera sans doute des choses avec instrumentation, mais avec des musiciens. On ne fait pas un rejet de ce qui pourrait être une instrumentation de type traditionnel : si demain on nous donnait les musiciens, des syriens qui sont venus il y a 3 ou 4 ans, aucun problème, on peut faire des choses avec, même dans des registres très différents, mais faire ce que l’on a fait avec les moyens du bord, moi guitariste alors que même si j’ai fait un peu de guitare classique je ne suis pas instrumentiste, c’est insuffisant. Et après, il y a toute une énergie que l’on n’a plus dans le chant parce qu’on n’est pas à l’aise.

(pendant ce temps, Max, Jean-Luc, Paul et Jean se sont emparés de nos appareils photos et « font les japonais », mitraillent dans tous les sens, se photographient mutuellement en faisant des grimaces)

Les projets

La dernière question, vos projets. Il y en a certains dont on a entendu parler, d’autres pas. Il y a la création avec Paolo Fresu, le dessin animé (Max and co), y a t il à côté de ça une création genre Requiem ou Médée dans les cartons ?

Il y a plusieurs choses. Il y a le travail à l’Aghja avec les musiciens de jazz, c’est une rencontre ; ce n’est pas une création à proprement parler, on arrive avec des choses, eux arrivent avec les leurs, on va essayer de mettre en place une rencontre mais ça ne sera pas une création ex nihilo ; en 4 jours on ne va pas produire un répertoire d’une heure et quart, ce n’est pas possible.
Après cette rencontre avec des musiciens de jazz, dans l’ordre on doit travailler avec des musiciens toscans, l’orchestre de Livourne, et deux actrices sardes dans le cadre d’un projet : un nouveau Médée. Enfin, ce sera notre Médée, avec deux actrices et un orchestre. Bruno Coulais doit écrire des choses sensées non pas jouer sur nous, mais opérer un maillage entre une musique de facture classique telle que peut l’écrire Bruno, et nos chants. Cela doit se faire impérativement avant l’été 2007, c’est très court.
Dans la foulée, on doit travailler sur une création d’Orlando sur une Colomba qui doit se faire au théâtre de Bastia le 5 mai. Ceci dit, Orlando ne veut pas a priori que ce soit quelque chose de complètement créé : il dit qu’on est dans l’évocation, même s’il ne va pas reprendre le texte de Mérimée, mais il veut qu’on utilise plus un fond traditionnel qu’on pourrait actualiser, qu’on pourrait remodeler, mais pas de création proprement dite.
Ensuite, il y a avec Orlando et Bruno la création d’un nouvel opéra pour enfants au mois de juin à Nice avec le cirque Grüss. Bruno doit écrire des parties pour nous, il pense utiliser beaucoup les chevaux.
Et il y a également le projet dont je vous parlais l’autre soir à Bastia avec le centre culturel Una Volta, un travail sur les quartiers anciens de Bastia.

Et pour les 30 ans d’A Filetta ?

Pas pour l’instant, on a évoqué la possibilité de faire une grande salle sur Paris parce qu’on ne l’a jamais fait, mais pour l’instant rien n’est arrêté, et on ne sait pas trop dans quelle formule le faire : on ne va pas faire Si di mè, on ne va pas faire un Requiem, on ne peut pas faire un peu de tout, c’est difficile.

Et les CD « de rattrapage » ?

Il était prévu de faire sortir la Grammaire de l’imagination cette année , mais on a dû reporter, ça sortira fin 2007.

Pas un DVD du spectacle ?

Non, c’est trop difficile. L’idéal, ce serait de faire un vrai travail d’animation, mais c’est trop cher. On va essayer de faire un CD avec un beau livret . Ou bien un livre avec un CD ? Ce qui est sûr, c’est qu’on était dans l’idée de faire la Grammaire en version bilingue, voire trilingue, c’est à dire de faire trois versions du texte, en italien, en français et en corse, parce qu’on pensait que même sur le plan pédagogique ça pourrait être très bien de voir comment on passe d’une langue à l’autre. C’est en projet.

Le Requiem ?

Le Requiem, on disait que ce qui serait bien, c'est de l’enregistrer fin 2007. L’idée, c’est de le reprendre petit à petit, de travailler chant par chant, et de le sortir fin 2007 ; ça aurait été bien été 2007.

Et puis ? Il y a des chants qui n’ont jamais été enregistrés !

Tout le Salve Regina, tout le Via Crucis, ça aussi c’est renvoyé aux calendes calvaises !

Et In Memoriam ?

Jean-Luc : C’est fini ! Non, on va le refaire en décembre 2007 en Belgique. La théâtre de Monte-Carlo avait l’exclusivité pendant deux ans ; à partir de janvier 2007, si Larbi veut le reprendre, il peut le faire avec un autre ballet.

C’était magnifique !

Vous l’avez vu en entier ?

Non, la version courte à Monaco en août...

L’intégralité du spectacle c’est très cohérent. La version courte est cohérente aussi, mais il y a des raccourcis. Ce qu’on avait fait fin 2004, c’était…

Ca ne doit pas sortir en DVD ?

Non, ils vont l’intégrer à leurs éléments de presse, mais je crois que Cherkaoui ne voudrait pas qu’il soit présenté en extrait, ça perd de sa force, mais il a écrit quelque chose de magnifique. On espère travailler encore avec lui, il a envie de travailler encore avec nous.
En plus quand on répétait là bas en 2004, on travaillait dans le gymnase avec les danseurs, il est lui-même danseur, il vient de la danse plus hip hop, moderne, on voyait la façon dont ça évoluait. Avec les danseurs classiques, il disait "c’est extraordinaire, je peux utiliser des choses classiques que moi je ne saurais pas faire", par contre, quand il demandait des choses aux classiques, lui c’est un acrobate, on dirait une boule de chewing-gum, pour eux c’était difficile, on aurait dit qu’ils étaient anguleux, alors que lui, les mouvements, il roulait, on aurait dit les bêtes que tu touches, qui se mettent en boule !

Des chenilles ?

Oui, c'est ça ! C’est impressionnant, tu as l’impression qu’il est complètement désarticulé !

F: Je l’ai vu dans un ballet avec un chorégraphe pakistanais, "Zéro degré", un duo, et à un moment donné il danse sur la tête, c’est incroyable !

Donc, on suivait toutes les répétitions et à la fin, il disait aux danseurs : "c’est bon, vous pouvez y aller", et à nous il disait "vous, vous restez ici", et il se mettait à chanter avec nous, il connaissait tous les chants par cœur, il disait "faites-moi celui là, montrez moi la terza…"

Dans ce ballet il chantait aussi un chant yiddish, il chante bien !

Je sais qu’il chante bien ! et il a une grâce ! Il est impressionnant.

Jean-Luc donne le signal du départ. Il ne nous restait plus qu'à remercier chaleureusement Jean-Claude, Jean-Luc, Max, Ceccè, Paul et Jean pour leur accueil et pour cet entretien passionnant qui a duré près de deux heures, dans une ambiance chaleureuse et détendue.


Autre interview, celle réalisée par Benjamin MiNiMuM pour MONDOMIX à Calvi en septembre 2006

Les motivations à l'origine d'A Filetta,
réalité et caricature des traditions musicales corses

Ecoutez, les motivations étaient celles partagées par un certain nombre de jeunes groupes en corse. A la fin des années 70, il y a une volonté de se mettre en marche pour contribuer à sauvegarder un patrimoine. Notamment un patrimoine oral qui est en train pratiquement de disparaître. Pour des raisons historiques, économiques, la Corse se vidant à partir de la fin de la première guerre mondiale de sa substance vive, en tout cas dans l’intérieur de l'île, il y a tout un patrimoine oral, une culture orale, toute une tradition de choses chantées, sacrées et profanes, qui est en train de disparaître.
Et il a fallu attendre la fin des années 70 pour qu‘apparaisse une sorte de sursaut, identitaire si on veut, qui a fait que nous, comme d’autres, on s’est engagés pour contribuer, dans un premier temps, à la sauvegarde de ce patrimoine oral.
Et puis après, très vite s’est imposée à nous l’idée, le besoin, la nécessité, d’essayer de prolonger cette tradition, notamment par la création, par des apports nouveaux eu égard aux relations que nous tissions déjà avec d’autres traditions orales, d’autres musiques, d’autres musiciens, d’autres compositeurs.

Et ce avec une conscience européenne, méditerranéenne ou mondiale ?

En tout cas, ce qui est sûr, c’est qu’au départ c’est un réflexe de survie. Donc la première phase, c’est celle qui consiste à dire « faisons quelque chose pour nous ».
Ensuite, très vite on se rend compte qu’il est illusoire de penser restaurer un patrimoine en le coupant du reste du monde. ça veut dire que pour nous, il est clair que la tradition n’a de sens que dans la mesure où elle continue de refléter un peuple qui vit et qui avance. Et ce peuple qui vit et qui avance, il vit et avance tout simplement parce qu’il est au contact d’autres peuples, d’autres musiques, d’autres traditions orales, qui peuvent être d’ailleurs quelquefois très éloignées de la nôtre, mais qui de toutes façons nous marquent, laissent une empreinte.
On ne sort jamais indemne d’une rencontre avec d’autres musiciens, et ce qui nous intéresse, c’est de faire en sorte que notre musique soit en même temps une musique vivante, qui intègre des influences, et qu’elle continue à ressembler à ce que nous sommes depuis longtemps.
Et je crois qu’il y a comme ça quelque chose qui se crée indéniablement ces 25 ou 30 dernières années, qui s’éloigne de la tradition originelle. Quand je dis originelle, le terme n’est même pas approprié, parce que le repère que nous avons par rapport à la tradition remonte au plus à 50 ans, ce n’est pas les origines, mais c’est ce qui nous est resté au fond,  c’est ce qui restait de vivant au moment où nous mêmes nous sommes mis en marche.

Ces traditions semblent être assez fortes, voire même un peu figées, on en a souvent l’image d’une caricature quand on est à l’extérieur, que d’une réalité. Quelles sont pour vous les réalités de ces traditions, de ces pratiques culturelles et musicales ?

Nous nous rendons compte en ce moment qu’il y a un retour de bâton qui est en partie consécutif à une espèce d’emballement des media à la fin des années 80.
Pour nous, il y a indéniablement le phénomène du Mystère des voix bulgares qui a attiré la lumière des projecteurs sur cette tradition, et le regard que les media avaient sur cette tradition dans les années 90 a été de dire « il y a des choses toujours vivantes, un patrimoine puissant, etc. »
Et maintenant, cet éclairage médiatique a forcément suscité des vocations, des bonnes et des mauvaises :  en 15 ans se sont créés 70 groupes, et aujourd’hui l’image que l’on renvoie, ce n’est pas l’image d’une dynamique.
En effet très souvent, malheureusement, les nouvelles générations de groupes ont été finalement des copies de ce que faisaient les premiers groupes, et du coup, pour celui qui est à l’extérieur, il se dit « finalement ça ne bouge pas tant que ça ».
En réalité, ça bouge énormément. Quand vous pensez qu’à la fin des années 70, les groupes de la première génération, I Muvrini,  Canta u populu corsu, I Chjami aghjalesi, Tavagna, nous, nous chantions tous le même répertoire traditionnel, aujourd’hui on a pris des routes véritablement différentes : les Muvrini sont dans une démarche qui est beaucoup plus large, d’une forme de variété corse , nous, nous avons fait de la création polyphonique, quelquefois en digressant largement par rapport à la tradition originelle, vous avez des groupes qui on travaillé vraiment sur le retour à la tradition, il y en a qui ont fait de la chanson, il y en a qui sont allés chercher des influences multiples en Méditerranée, etc.
Donc je pense que ça bouge, c’est une musique qui est bien vivante et qui propose des formes vraiment très diversifiées. Mais malheureusement, je crois que le regard des media sur cette tradition qui était un peu découverte à la fin des années 90, au bout de 10 ans, les media n’ont pas forcément fait le travail d’investigation pour voir ce qui se passait au fond, et pour voir comment au fond cette musique évoluait.
Je pense qu’elle évolue dans le bon sens dans la mesure où il y a des métissages importants, il y a une ouverture sur le monde qui est assez exceptionnelle pour des insulaires, contrairement à ce qu’on peut penser, il y a beaucoup de festivals, de rencontres qui ont été crées, beaucoup de chanteurs qui ont dit « à un moment donné, on a besoin de remettre notre chant dans sa matrice », ça veut dire d’aller comprendre d’où on vient, ça veut dire déjà que l’on a dépassé le stade où on considérait qu’on était seuls et uniques, qu’on était nés ici et que c’était un chant endémique qui n’avait rien à voir avec les autres, ce qui a été un moment donné la tentation, je crois que ça, on l’a dépassé. Est- ce que ça bouge assez vite, pas assez vite, je crois qu’en tout cas il y a un phénomène culturel puissant, un phénomène associatif extrêmement dynamique, il y a beaucoup de choses qui se sont développées dans des répertoires extrêmement différents, avec des groupes qui sont quelquefois allés à la conquête des publics extérieurs. Je pense que c’est plutôt le signe d’une bonne vitalité.

Tradition du chant et évolution de la langue

Je suis rarement venu ici, je n’ai assisté au premier concert et fréquenté un public corse qu’hier, et il y a un truc qui m’a surpris, c’est que, en attendant le spectacle dans la file d’attente, les gens se sont mis à chanter très spontanément, symptôme d’une sorte de réflexe, alors que partout ailleurs en France, le chant est complètement tabou. Aujourd’hui le chant est très quotidien, très vivant ?

On peut discuter du déplacement de ce chant. A l’origine – encore une fois je ne peux me référer qu’à des origines récentes – il est évident que jusqu’aux années 20  c’était un chant qui accompagnait un certain nombre de rituels ou des travaux. Ces rituels ou ces travaux ont quelquefois disparu : il y avait le chant du battage du blé, il y avait le chant du labeur, des chants qui rythmaient la vie paysanne, et évidemment les campagnes se dépeuplant, cette musique n’avait plus de raison d’être.
Aujourd’hui, cette musique s’est déplacée, elle est chantée dans d’autres contextes : elle est chantée dans les cours de recréation au collège ou au lycée, dans le cadre de confréries. Il y a un renouveau des confréries, de gens qui sont des laïcs, mais très en rapport avec la parole de l’Eglise.
Aujourd’hui, ce chant n’est plus le reflet direct d’une activité économique ou sociale, en tout cas économique, mais il est resté socialement très fort :  il y a un besoin indéniable de se retrouver, d’être ensemble, de se reconnaître les uns les autres par rapport à son village, à sa région d’origine, et en ce sens le chant est extrêmement puissant.
Ce qui est vrai, c’est que c’est probablement l’un des seuls endroits de France où il y a un chant qui est resté puissant. La tradition chantée, mis à part en Bretagne, est largement en recul, c’est évident. Il y a pourtant des choses superbes. Moi, je suis un passionné du travail qui avait été réalisé par Malicorne, par Gabriel Yacoub que j’adore, et c’est vrai que c’est un phénomène qui n’a pas pris ailleurs la puissance qu’il a pris ici.
Bien sûr, il y a des tas de gens - avec qui d’ailleurs on est en contact - que ce soit le Corou de Berra, que ce soit le travail qui a été accompli par Manu Théron, par le Cor de la Plana, etc. ce sont vraiment des gens qui font un travail remarquable, mais on n’a pas le sentiment qu’il y a un phénomène très puissant, alors qu’ici, par rapport à la démographie que nous avons, par rapport à la vie culturelle que nous avons, c’est vrai que c’est un chant qui est extrêmement fort, qui est enraciné et qui surtout a retrouvé une fonction sociale.

Le chant est intimement lié à la langue . Cette langue a  telle évolué avec le temps ?

Cette langue a évolué, elle continue à évoluer. C’est une langue latine restée relativement proche de certains dialectes italiens, notamment le toscan. C’est une langue sur laquelle il y a eu tout un travail de fait, car il faut savoir que c’est une langue qui n’a réellement eu un statut de langue – revendiqué, puisqu’elle n’a toujours pas ce statut de langue - qu’à partir du moment où la Corse est devenue française.
C'est-à-dire que si la Corse était restée dans le giron de l’Italie, probablement qu’aujourd’hui le corse serait un dialecte comme il existe d’autres dialectes italiens. ça ne pose pas forcément problème, en sens inverse on n’aurait peut être pas eu non plus le travail qui a été fait, notamment l’écrit de cette langue, parce que justement on n’aurait peut être pas eu conscience que c’était une langue qui a eu une histoire, une production littéraire et poétique importante, depuis la fin du XIXe début du XXe siècle, c’est-à-dire au moment où justement naît en Corse une revendication identitaire, des revendications par rapport à l’Etat central pour être reconnus en tant que tels, pour avoir des statuts de gestion proches de l’autonomie…
C’est le phénomène nationaliste entre guillemets, après la politique a fait qu’il y a eu des radicalisations, et qu’il ne faut pas aujourd’hui faire un amalgame complet : il y a des gens qui sont d’obédience nationaliste qui sont des gens modérés, vous avez des nationalistes radicaux, vous avez des gens qui ne sont absolument pas nationalistes mais chez qui le sentiment corsiste ou autonomiste reste très puissant, et je crois que tout ça a contribué à faire en sorte que cette langue évolue, bouge, et surtout qu’elle commence à s’adapter, parce que pendant longtemps elle a été une langue extrêmement paysanne, qui n’existait que dans l’oralité.
Aujourd’hui, il y a quand même une production écrite importante, même si malheureusement on constate que plus le temps passe, plus le lectorat diminue par rapport au début des années 70. Je discutais avec un éditeur qui me disait « quand on sortait un bouquin de poésie corse en 1975, on en vendait 1500 ; aujourd’hui, on en vend 250 » ça veut dire qu’il y a un affaiblissement malgré tout, malgré les efforts…

C’est un phénomène général, même en France le lectorat diminue.

Absolument, il me disait par ailleurs qu’en vendant 250 ou 300 exemplaires d’une édition d’un bouquin de poésie, il était pratiquement le premier vendeur en France, parce que la poésie en France est en recul total, ce qui est évidemment dommage…

Les rencontres polyphoniques de Calvi, les rencontres avec d'autres cultures

Le choix d’A Filetta s’est fait avec une ouverture vers l’extérieur. Un des symptômes en est ce festival. Comment est née cette idée ? Est ce une volonté culturelle, politique ?

Les choses se font quelquefois de façon extrêmement naturelle. Nous existons depuis 1978.
Entre 78 et la fin des années 80, nous étions un groupe amateur, nous avions chacun notre profession à côté, et en 1987 je crois, nous sommes invités par des chanteurs sardes à participer à ce qu’ils appelaient « una rassegna di canto sacro popolare », un rassemblement : ce sont des confréries qui invitent des confréries.
Pendant longtemps, c’est resté à l’échelon de la Sardaigne, puis à un moment donné, la Sardaigne s’est ouverte sur l’extérieur et a commencé à inviter des confréries, des chanteurs comme nous, venus de Corse, de Grèce, et lors de notre première rencontre avec ces chanteurs sardes, en rentrant on s’est dit que nous, ce serait bien qu’on ait la même démarche, c’est à dire qu’on se remette en relation avec des traditions polyphoniques, des traditions vocales qui existent, qui ont le même réflexe de survie que le nôtre, et il faudrait qu’on mette tout ça en synergie, qu’on puisse à nouveau se rencontrer, qu’on puisse mieux se connaître soi même, car on sait pertinemment, encore une fois, que notre musique n’est pas endémique, elle est née de la rencontre de tas  de courants.

Et dès 1988, nous avons créé le premières Rencontres, qui étaient juste un échange corso sarde. Et puis à la fin, on a dit « il faut qu’on aille plus loin, il n’y a pas de raison, il faut s’ouvrir sur le reste du monde. » Dans un premier temps, sur la Méditerranée, parce que c’est probablement ceux qui nous sont le plus proches sur le plan culturel et linguistique, mais en tout cas, on peut, et très vite en 2 3 ans, c’est devenu un festival international en ce sens qu’on a reçu aussi bien des gens de Sibérie que d’Amérique du nord, d’Amérique du sud, d’Afrique du sud, d’Asie, etc.

Je crois qu’on part avant tout d‘un besoin, c’est tout simple, un besoin de se dire : « qu’est ce qu’on est, qui on est, dans quel monde on se situe, qu’est ce qu’on a à dire aux autres et qu’est ce qu’on a à approprier des autres ? ». A partir de là, la machine est partie, et c’est bien que ce soit comme ça, parce que si c’était précédé d’un objectif politique… c’est une philosophie politique, mais politique au bon sens du terme, il n’y a pas de stratégie derrière, il y a simplement un besoin irrépressible de dire « on est une partie de ce monde qui va vite, qui change, qui évolue, nous mêmes on est appelés à évoluer, qu’est ce qu’on va devenir, qu’est ce qu’on est par rapport aux autres, qu’est ce que les autres sont par rapport à nous, qu’est ce que nous on est chez les autres, et qu’est ce que les autres sont chez nous ? »
Je crois que c’est important, y compris dans la musique, d’avoir cette démarche, pour se débarrasser encore une fois de l’illusion que l’identité c’est quelque chose de figé, et quelque chose qui n’a de sens que pour être protégé. Quand on commence à parler de protection de l’identité, pour moi il y a un danger. Nous avons toujours défendu le discours qui consiste à dire : « une identité vit quand on commence à s’en affranchir » et je crois que ce qui est important, c’est cette capacité à sortir de soi même et à prendre du recul sur soi même, et à prendre conscience du fait que c’est une construction perpétuelle. Car sinon, il y a le risque de se dire : « on ne bouge plus, on est ce qu’on est », on s’impose à l’autre ou on se coupe de l’autre et je crois que c’est  le pire des chemins à suivre.

Au fur et à mesure des années, des rencontres de ce festival, il y a des liens particuliers et inattendus qui se sont créés ?

Il y a eu des liens très puissants avec la Georgie, avec la Sardaigne toute proche, des liens avec l’Albanie, mais quelquefois aussi avec des chanteurs venus de très loin, on a été surpris de découvrir des techniques vocales très proches des nôtres chez des sibériens, chez des zoulous, sans aller chercher d’explications historiques de courants de peuplement, etc., ce qui est sûr, la première idée, c’est que nous sommes tous, à la base, des hommes en prise aux mêmes difficultés, qui avons la même nécessité de survivre, de vivre, de se développer, etc., et que tout ça a produit un certain nombre de choses qui font du sens. Et qui est un sens commun. Et après il y a probablement eu des courants de peuplement qui expliquent que, par exemple, nous ayons une polyphonie très proche de celle du Caucase. Physiquement, les Georgiens nous ressemblent beaucoup, la géographie de la Georgie, du Caucase, est très proche de celle de la Corse Ce n’est peut être pas un hasard que les uns et les autres aient produit le même type de tradition, le même type de chant, par rapport à la nécessité de vivre dans un environnement qui est ce qu’il est.

Bruno Coulais, Medea, la multiplicité des projets, les disques et l'esprit d'A Filetta

Au delà de ces rapports de peuples, il y a aussi des rencontres humaines extrêmement importantes dans l’histoire d’A Filetta, comment ne pas parler de Bruno Coulais ?

Bruno Coulais fait partie des musiciens qui auront marqué notre parcours, et qui continuent à le marquer d’ailleurs. Nous l’avons rencontré après avoir créé Médée. Il est attentif à ce que nous produisons, et il a dès le départ envie de travailler avec nous sur la bande originale de Don Juan, et très vite se crée avec lui un climat d’amitié, de confiance, qui fait qu’on est très désireux les uns et les autres de continuer à se surprendre. Il nous invite sur ses musiques, nous, nous le sollicitons pour venir nous épauler sur telle ou telle musiques à nous.
C’est vraiment un plaisir de travailler avec un musicien pareil, parce qu’il a un côté très caméléon au bon sens du terme, il le revendique, il dit : « moi, j’aime bien être très sensible à ce que j’ai autour de moi », pour écrire des choses qui deviennent des choses qui par ailleurs lui sont très personnelles.
Quand il a écrit Himalaya l’enfance d’un chef, à aucun moment il n’a voulu écrire de la musique tibétaine, mais aujourd'hui, les tibétains ou du moins en Inde, je sais que les gens revendiquent cette musique comme étant la leur, parce que Bruno a su, tout en écrivant des choses qui lui sont très personnelles, faire en sorte qu’il y ait des éléments qui viennent à la surface et qui donnent le sentiment qu’on est dans une musique d’inspiration tibétaine.

Vous parliez de Don Juan, Médée, dont je voudrais bien connaître la genèse, ce qu’on peut remarquer c’est une volonté de réunir la tradition orale due chant corse et les grands textes ?

C’est aussi un peu un hasard, c’est la rencontre avec Jean-Yves Lazennec qui vient nous dire  « j’ai aimé ce que vous faites, j’aime bien l’idée que vous puissiez être la réminiscence de ce qu’a pu être le chœur antique » et c’est lui qui nous propose la tragédie Médée de Sénèque, ce n’est pas nous qui faisons la démarche de travailler sur ce texte là.
Ce qui est sûr, c’est qu’en cours de route on se rend compte à quel point c’est un texte qui nous touche, qui nous est proche,  qui est une partie d e notre histoire, de la Méditerranée, y compris de la Corse. Il y a comme ça pour nous l’opportunité de passer à un format largement différent de ce qu’a été notre tradition orale jusqu’à présent, qui avait un format chanson avec des strophes. Dès lors qu’on s’attaque à un texte qui a une métrique qui est ce qu’elle est, qui a des développements qui sont ce qu’ils sont, on est obligé de penser une musique qui a une architecture musicale autre, et je crois que ça nous fait sortir de nous.
Et c’est très bien, parce que ça nous a fait sortir de nous et en même temps, ça nous a aussi fait nous rapprocher d’autres courants, notamment la musique géorgienne ou la musique albanaise ou la musique grecque, qui étaient des musiques dont on sentait vraiment qu’elle étaient des musiques sœurs, jumelles quelquefois, et Médée aujourd'hui, c’est le visage de ce qu’est A Filetta aujourd'hui : un groupe qui, indéniablement, est enraciné ici, mais en même temps qui est allé à la quête d’une identité partagée avec d’autres, bien au delà de la Méditerranée.
Pour nous, Médée c’est vraiment un tournant. Avant Médée, on faisait de la tradition orale ; après, on a fait beaucoup de choses écrites aussi, notamment après la rencontre avec Bruno Coulais ; et entre les deux, Médée c’est une sorte de passage, qui nous fait passer de l’oralité à l’écrit. Mais dans Médée, on n’est pas encore dans l’écrit. C’est la raison pour laquelle Bruno Coulais dit que c’est un OVNI. C’est quelque chose d’assez inclassable.

Quels sont les repères chronologiques, en quelle année a démarré cette rencontre, la démarche de Médée ?

La rencontre avec Lazennec, c’est en 1995, on a produit Médée en 1997, et on rencontre Bruno à la première de Médée en novembre 1997. Et on enregistre Don Juan en janvier 1998. Donc c’est allé vraiment très très vite. Depuis, il y a eu plein de choses, on a fait un opéra pour enfants, le Robin et Marion à Nice, on a fait du théâtre musical, on a repris le Don Juan avec Orlando Forioso qui a mis en scène le Marco Polo. Depuis on a fait plein de choses au théâtre, des créations musicales avec des chœurs bulgares, on a fait dix ou douze musiques de films, on est en train de travailler à la musique d’un dessin animé qui devrait sortir en 2007 : « Max and co », un dessin animé complètement loufoque, une production anglaise et suisse me semble t-il.
L’histoire se déroule dans une usine de tapettes à mouches. Il y a une espèce de patron infâme, qui est un crapaud qui s’appelle Rodolfo, et Bruno a écrit des choses complètement décalées, complètement déjantées, qu’on interprète en polyphonie sur des musiques très festives. Donc avec Bruno, on a fait plein de choses, et parmi ces choses, le Marco Polo qu’on a fait cet hiver avec Orlando Forioso sur un texte superbe qu’il a écrit, que Bruno a mis en musique, avec la participation d’un tibétain qui est l’acteur d’Himalaya l’enfance d’un chef, avec Marie Kobayashi avec laquelle nous avons chanté sur Don Juan en 1997, avec laquelle nous avons travaillé sur d’autres musiques. Marco Polo a été donné pour la première fois cet hiver, ici à Calvi, puis ça a été présenté à Bastia, puis à la biennale de Venise avec Guillaume Depardieu. ça a bien fonctionné, et ça doit être repris à partir de la fin du mois d’octobre.

Et il y a un projet de disque, de DVD ?

En tout cas, on espère, on croise les doigts pour que ça se fasse, parce que, malheureusement ou heureusement, en tout cas on a un rythme de travail qui est tellement important qu’on est sans cesse en retard sur la production. On a enregistré Médée en 2005, il sort en 2006, il a été créé en 1997, et depuis 1997 on a créé : un Chemin de Croix, une Passion, un Requiem, un travail sur des textes de Rodari avec Orlando sur « la Grammaire de l’imagination », qu’on a donné ici même l’an dernier ; on a créé un répertoire de chansons, on a créé un opéra pour enfants que Bruno a écrit, le Robin et Marion, qui n’est pas enregistré. Il a composé une œuvre pour nous et un quartette bulgare, ce n’est pas enregistré. Nous-mêmes, on a créé plein de choses, on est en résidence le mois prochain pour travailler avec des musiciens de jazz sur de nouvelles créations, et en fait, tout ça est emmaganisé, on compose, on travaille, on avance, mais sur le plan de la discographie, ça ne suit pas, tout simplement parce qu’on manque de temps, parce qu’on manque de moyens, parce qu’on n’a pas toujours trouvé les partenaires qui fonçaient, et que c’est difficile.

Et le point commun entre toutes ces créations ?

Les rencontres humaines et l’envie de travailler ensemble, c’est évident. Sinon, ça n’a pas de sens. D’abord, nous mêmes a Filetta, c’est ça : l’envie d’être ensemble, le besoin très fort de parler d’une même voix . Cela ne veut pas dire être monolithique, ça veut dire respecter les personnalités de chacun, mais vraiment de dire « on est ensemble, notre destin est commun, on est sur la même barque, on est sur la même île,on est dans le même monde », et à un moment donné, ce qui guide tous ces travaux, c’est effectivement le besoin impérieux de se sentir entourés, de se sentir aimés, appréciés, et soi même d’avoir à l’égard des autres de la sympathie, de l’amour et l’ envie de leur faire partager et de le leur dire.

Une forte relation avec le spirituel donc ?

Sur le plan purement religieux, même si on est issus d’une tradition religieuse très puissante, on n’est pas forcément tous les dimanches à l’église. Mais déjà, ce qui est sûr, c’est que culturellement nous sommes très portés sur le répertoire religieux, et quand je dis religieux, c’est justement au sens premier du religieux, c’est à dire qui relie, le sentiment d’appartenance à une communauté, et d’être ensemble dans des moments bons ou pas bons, difficiles ou joyeux à vivre, et je crois que ça fait partie de notre façon de penser la musique, et c’est notre façon de la développer aussi dans nos créations, dans nos compositions et dans notre rapport aux autres musiciens.Hors dogmes ?Absolument, hors dogmes, car si on rentre là-dedans c’est la négation même de toute forme d’ouverture. 

© Benjamin MiNiMuM

Vous pouvez écouter cet entretien à l'adresse suivante :

http://www.a-filetta.mondomix.com/fr/itw3275.htm


Vincent Zanetti

Enfin, une interview réalisée par Vincent Zanetti le 15 septembre 2006 à l'occasion de la 18e édition des Rencontres chants polyphoniques de Calvi.

De Sénèque à A Filetta...

Vincent Zanetti : En 1995, le metteur en scène breton Jean-Yves Lazennec demande au groupe polyphonique corse a Filetta de créer la musique des chœurs de Médée, la tragédie dédiée par l’auteur latin Sénèque au personnage de Jason, symbole par excellence de la découverte de l’autre, avec tous les ravissements et tous les troubles que cela implique.

Un peu plus de 10 ans plus tard, A Filetta publie aujourd'hui sur disque la dernière version de ces quatre chœurs.
Et de la même façon qu’après le voyage de Jason, l’ailleurs n’est plus vraiment ailleurs, on peut dire sans se tromper qu’après le Médée d’A Filetta, le chant polyphonique corse ne sera jamais plus le même.
Rencontre avec l’auteur de cette musique inspirée, celui qui a même été jusqu’à traduire en langue corse le texte latin de Sénèque pour pouvoir le chanter dans une langue vivante et si évidemment prédestinée au mariage de la polyphonie et de la tragédie antique. Cet aède corse, c’est Jean-Claude Acquaviva.

Jean-Claude Acquaviva, dans vos spectacles, et notamment dans la présentation de Médée, pièce qui date tout de même de 1997 et qui sort maintenant en 2006, donc 9 ans plus tard en disque, mais que vous avez chanté ici à Calvi dans les Rencontres polyphoniques, vous avez cette phrase dans la présentation qui résume presque tout : « L’ailleurs n’est plus ailleurs », directement citée du texte de Sénèque que vous avez traduit du latin en langue corse. C’est largement autobiographique, Médée ?

Jean-Claude Acquaviva : Oui, je pense que c’est autobiographique, je crois que pour nous A Filetta, Médée correspond vraiment à un moment fondamental dans notre trajectoire. Nous avons toujours dit que c’était un moment extrêmement important : d’abord c’est le moment où sans doute par hasard, par nécessité aussi, on se met à penser les choses dans des formats qui ne sont pas les formats traditionnels ;
Et aussi, on revient à l’importance du texte, du verbe, de la parole, jusqu’ici notre tradition orale est faite de chants qui sont souvent très courts, de vers souvent octosyllabiques, de poèmes très courts, de strophes qui sont reprises, etc. Et là, lorsque le metteur en scène nous demande de produire une musique pour ce chœur, on est face à un texte dont la métrique n’est absolument pas régulière, on se trouve face à un texte qui est très long, à partir duquel on ne peut pas créer un e musique comme on l’aurait fait dans la tradition, en disant : « on met en musique les 4 premiers vers, et puis après on répète ».
Cette difficulté par rapport au texte nous amène à essayer de concevoir une musique qui nous dépasse nous-mêmes, qui dépasse notre propre tradition.
Et en même temps, Médée arrive effectivement à un moment où nous avons déjà pratiquement 10 ans de rencontres de chants polyphoniques, où nous sommes en plein échange avec les chants géorgiens, le Caucase, où nous sommes en plein développement par rapport au théâtre, à la musique de théâtre, en tout cas aux Passions qu’on joue à Calvi…
Donc Médée, c’est la musique qui arrive et qui fait qu’A Filetta devient A Filetta, je crois que c’est clair.
Jusque là, on n’aurait pas forcément pu nous distinguer des autres groupes polyphoniques, on chantait une tradition orale comme d’autres : Tavagna, nous, les Chjami Aghjalesi, Canta U Populu Corsu, tous les groupes de Corse travaillaient sur le même répertoire polyphonique, on avait à peu près tous les mêmes repères, les mêmes répertoires polyphoniques. Médée arrive à un moment qui est tel qu’on a un bagage qui est ce qu’il est, qui fait qu’on a une idée de notre musique qui a beaucoup évolué depuis 1987, et ça produit une musique qui ensuite va nous permettre justement, à mon avis, d’aller plus loin encore, d’aller sur des choses plus osées, plus contemporaines, plus modernes, notamment sur le plan des harmonies, avec le Requiem, les Chemins de Croix ici. Nous avons produit des choses qui du coup s‘éloignent encore plus de la tradition, sans doute,  mais qui proposent des pistes de prolongement.
Pour nous, Médée est un tournant. En fait, si vous voulez, avant Médée, il y avait un travail qui n’était qu’oral. Avec Médée, il y a quelque chose qui n’est pas écrit, puisque la partition proprement dite n’a jamais été fixée, n’est pas écrite, mais qui devient quand même plus fixé, plus écrit. On a travaillé sur des mélodies harmonisées. Elles étaient, comme dans la tradition orale, relativement libres : on savait qu’il y avait telle ligne mélodique, relativement libre et qu’autour de ça il y avait des blocs harmoniques ; on savait qu’à tel moment on était sur tel accord, on allait vers tel autre, etc. C’est fixé en quelque sorte, mais ce n’est pas écrit. Et après Médée, on a continué à faire des choses comme on faisait Médée, on a continué à faire des choses comme on faisait avant Médée, c’est-à-dire complètement orales, et on a fait aussi des choses complètement écrites.

Donc Médée est une charnière, une pierre angulaire.

Et pour la petite anecdote, on a fixé Médée par l’écrit. Maintenant, si vous l’entendez, vous ne reconnaissez absolument pas Médée. On n’a pas la capacité de le fixer tel qu’on le chante. Simplement, pour prendre des repères, pour s’assurer malgré tout qu’on est dans le respect de certaines modulations, de la tonalité, on a plus ou moins, de façon très simplifiée, on a écrit les grandes lignes de Médée avec les harmonies. Mais si vous le faites jouer par un outil informatique, oui, vous avez les harmonies qui vont revenir, mais vous ne reconnaissez pas, parce que ce qu’on fait sur scène, on le fixe difficilement.
Pour répondre à votre question, comment a-t-on travaillé ?
On a travaillé sur une série de mélodies. D’ailleurs, ce qui a été pour moi le plus passionnant dans ce travail, c’est d’avoir pour les quatre chœurs des climats qui, évidemment, sont fonction de la dramaturgie, de ce que dit le texte et de ce qu’il annonce.
Mais ce qui est intéressant, c’est que le premier chœur est probablement celui qui est resté le plus proche du chant traditionnel ; le deuxième, qui au niveau de l’idée même du texte de Sénèque, est celui qui est à mon avis le texte le plus moderne, c’est justement celui là qui dit « désormais l’ailleurs n’est plus ailleurs », c’est celui qui est le plus en rupture avec tous les autres ; pour le troisième, on revient à quelque chose qui est en partie traditionnel, mais qui par contre, dans certains développements, est beaucoup plus moderne que le second ; et le quatrième, c’est un chœur beaucoup plus ramassé, c’est le seul chœur rythmique, le seul qui est mesuré en quelque sorte, et c’est celui qui voulait donner le sentiment qu’on arrivait à quelque chose qui paradoxalement, alors que ça devient mesuré, est en train de s’affoler, de se déformer, c’est le moment de la fureur de Médée, et c’est là où les voix deviennent sans doute les plus folles.
Et ce qui a vraiment été passionnant, ça a été de travailler sur certains thèmes qui existent dans le premier chœur, qui passent dans le troisième, et qui passent dans le quatrième, des thèmes qui à chaque fois sont harmonisés de façon différente et qui justement se déforment, et arrivent à la fin avec ce qu’on a voulu être le chœur sans doute le plus fou, le plus déstructuré, même si, encore une fois, sur le plan de l’organisation rythmique c’est le seul qui est rythmé, qui est rythmique, qui est mesuré.

Alors, comment s’est passé le travail avec les autres ? Dès lors qu’il y avait ces choses là qui étaient établies, fixées, il y a eu tout un travail de mémorisation, de maillage, pour faire en sorte qu’on passe d’une harmonie à l’autre, chacun tenant compte de la façon dont les autres développent.
C’est pour ça que Médée a mis beaucoup de temps à mûrir. C’est pour ça que, quand on écoute nous les premiers enregistrements de Médée, aujourd’hui ils sont extrêmement différents parce qu’il y a plein de choses qui ont évolué et notamment il a fallu attendre d’avoir une respiration commune dans le texte, dans le verbe, et cela a pris beaucoup de temps.
Alors aujourd’hui les gens qui nous entendent chanter viennent nous voir en disant : « mais comment faites-vous, vous n’avez aucun repère rythmique, vous êtes ensemble sur le plan harmonique, avec des frottements, avec des choses qui modulent, comment faites-vous sans repères ? » Eh bien, c’est la mémoire,  c’est dix ans de pratique commune qui font qu’on arrive à mémoriser les choses de cette façon là.

On l’a dit, Médée c’est un peu une pierre angulaire dans l’existence d’A Filetta. Pour vous compositeur, bien sûr vous avez continué à composer, vous avez composé avant, vous avez composé après, mais tout de même, la barre est montée très haut, comment vivez-vous l’après Médée ? Parce que, encore une fois, l’ailleurs n’est plus ailleurs. Maintenant, où allez vous chercher l’ailleurs, parce que vous avez cette soif là ?

Vous savez, ce qui est délicat pour nous, c’est que Médée, comme vous le disiez, est une pierre angulaire, une sorte de passage. Et c’est vrai qu’on a été à l’aise dans le passage, et ce qui nous fait un peu peur pour l’après, d’ailleurs ça s’est vérifié, puisque on a beaucoup travaillé après, on a composé plein de choses, mais on a fait des choses qui sont devenues sans doute, pour l’instant, pour ce qui a été produit, des choses qui seraient plus proches d’une forme de musique classique contemporaine que véritablement de ce qu’on a produit avec Médée.
Bruno Coulais disait de Médée : « c’est un OVNI », c’est quelque chose d’assez inclassable, parce que ça module beaucoup plus que la musique traditionnelle, mais en même temps, c’est sur des fonctionnements de la musique traditionnelle. Ce sont des harmonies plus modernes, mais on y retrouve quand même les éléments essentiels de la musique traditionnelle. Médée est une musique qui est vraiment celle qui nous permet de sortir de la tradition, mais qui reste quand même enracinée, amarrée en quelque sorte à la tradition, même si on s’en éloigne, même si on y a intégré des choses nouvelles, il y a toujours un contact. 

Ce que l’on a fait par la suite, on a fait des choses qui, à mon sens, sortent beaucoup plus des sentiers de la tradition. Alors, ce n’est pas qu’on le regrette, car quand on compose, on n’a pas à se poser le problème de savoir où on va et si on est dans des routes jalonnées, mais en même temps, on peut très bien accéder à un type de musique dans lequel on peut ne pas être du tout reconnu.
Parce qu’on n’est pas des classiques, on n’est pas des chanteurs de musique contemporaine, on n’en a pas la formation, les qualités, par contre je pense qu’on peut dire des choses dans un langage qui s’éloigne de celui de la tradition, on peut faire valoir des choses au niveau notamment de la façon de vivre le chant ensemble, de continuer à le tisser ensemble, ça, ça me semble important.
Je crois que la différence fondamentale entre un groupe comme nous et un chœur classique quel qu’il soit , c’est que le chœur classique fonctionne par rapport à quelque chose d’écrit : il y a des pupitres, c’est réglé très souvent par quelqu’un d’extérieur, etc. Nous, on ne peut pas fonctionner comme ça, nous, on est obligés d’être les uns dans les autres, de s’abandonner les uns aux autres, ça, ça ne pourra pas changer.
Par contre, on sera amenés, et on a été amenés, à faire des choses plus mesurées, qui s’approchent plus d’une certaine forme de musique contemporaine. Alors, est ce que les gens vont comprendre ? Nous mêmes, on est toujours dans l’interrogation, évidemment, quand on fait quelque chose : quand on faisait Médée, on se disait : « est-ce qu’on ne s’éloigne pas trop ? Est ce qu’on a le droit de digresser ainsi ? Est-ce qu’il ne faut pas revenir à des choses plus simples, faire des choses plus accessibles ? » et puis finalement, on est sortis de Médée avec la satisfaction d’avoir fait quelque chose qui correspond à notre personnalité, à notre façon de voir la musique et son évolution en Corse et ailleurs.

Pour en revenir à votre question, c’est un peu notre interrogation. Après, il y a aussi le fait qu’on avance dans l’âge, on avance dans la musique, on avance dans le contact ; on a beaucoup travaillé avec Bruno Coulais, c’est évident qu’ensuite il y a des influences, la musique écrite beaucoup plus, est ce qu’on sera capables à l’avenir de continuer à produire une musique qui soit autant un OVNI que Médée ? Je n’ai pas la réponse.


Et enfin, une interview pour RFI Musique :

Les polyphonies colorées d’A Filetta

Nouvel album Bracanà

Paris 

15/07/2008 - 

Le nouvel album d’A Filetta, Bracanà parcourt les multiples facettes artistiques de ce combo de chanteurs fondé il y a tout juste 30 ans. Toujours partant pour rencontrer leurs frères chanteurs à travers le monde, A Filetta s’impose comme un des groupes les plus excitants de l’île de Beauté. Interview de Jean-Claude Acquiva, un homme qui a choisi sa voix.

I

RFI Musique : Ce nouvel album s’intitule Bracanà. Quel est le sens de ce mot corse ?
Jean-Claude Acquaviva : Il a deux significations : "bariolé" et "changer de couleur à l’approche de la maturité". "Bariolé" correspond bien à ce nouvel album, à ces 14 chants métissés. "Bracanà", on le dit du pelage d’un animal. Cet album est tout sauf uniforme. On y retrouve des chants liturgiques chrétiens, des chants géorgiens, des monodies traditionnelles, des créations dont une, Liberata, à la mémoire de Pierre Griffi, un héros de la Résistance en Corse. Ce morceau sert de générique à un téléfilm sur la Resistance sur l’île durant la Seconde Guerre mondiale. Treblinka parle d’espoir, du souffle de vie au cœur de l’horreur, 1901 de l’exil à travers les destins de frères géorgiens. L’Invitu est extrait de notre création autour du Médée de Sénèque. C’est un disque ouvert, en fait. Mais "bracanà" se dit aussi d’un fruit qui change de couleur en mûrissant. C’est aussi ça un peu le reflet de notre parcours sur ces 10 dernières années durant lesquelles nous avons beaucoup tourné et provoqué beaucoup de rencontres. Ce parcours atypique nous a conduits vers d’autres traditions polyphoniques tout autour de la Méditerranée, mais aussi plus largement dans le monde, en Asie, en Afrique. On ne sort pas indemne de tout ça. Forcément notre répertoire évolue. Chaque album est différent. Heureusement d’ailleurs, en 30 ans de carrière, ça serait vite ennuyeux pour nous, comme pour le public.

Que regard portez-vous sur ces 30 ans d’activité ? Tout d’abord, j’ai vraiment la sensation que ces 30 années sont passées en quelques heures seulement… Il n’y a ni frustration, ni amertume. Aucune routine ne s’est installée. Nous n’avons jamais raisonné en termes de développement de carrière. Nous avons plutôt évolué au gré de rencontres, de nos rêves et de nos surprises. C’est probablement ce qui explique notre longévité. Pour nous, l’important est d’avancer, et d’avancer ensemble. Nous avons la même façon de voir la vie. On adhère à la même démarche. Ça passe par une grande rigueur dans le travail, rigueur qui ne nie pas pour autant la personnalité de chacun. C’est ce qui nous permet de nous renouveler, en invitant par exemple des plus jeunes à nous rejoindre.

Quelques souvenirs forts au fil de ces 30 ans ?
Beaucoup de tournées nous ont marqués par la qualité des échanges. Dans le Caucase par exemple ou dans la Géorgie de l’après-guerre civile. En Afrique, nous avons été impressionnés par ce que nous avons vu et par l’accueil du public, pas forcément celui des organisateurs. Les Rencontres Polyphoniques que nous co-organisons à Calvi, depuis 20 ans sont aussi des moments forts.

Quelques mauvais souvenirs, aussi ?
Pas tant que ça. Bien sûr quelques galères souvent liées à de mauvaises conditions scéniques ou lorsque nous avons inauguré un festival en Hollande et que nous avons joué devant un parterre vide, ou dans des villages qui semblaient désertés. Aujourd’hui, on en rigole. Les vrais coups durs sont liés à la disparition de proches.

Quelles perspectives pour le chant corse ?
Il y a 30 ans quand on a commencé, c’était assez exotique. Même en Corse. En fait, il a des vagues. L’intérêt pour notre travail et pour les musiques que nos défendons en général croît ou décroît en fonction de raisons qui nous sont parfois totalement étrangères. Le boum des Voix Bulgares a provoqué un temps un regain d’intérêt pour les traditions vocales. Forcément les difficultés que traverse l’industrie du disque ne sont pas sans conséquence sur notre développement. Il y a quelques années, nous étions plus souvent conviés sur des plateaux télés. Maintenant moins. Notre musique n’a pas fondamentalement changé. La télé, si.

Comment imaginez-vous votre avenir musical ?
On ne se projette pas … Impossible de dire ce qu'il en sera dans 5 ou 10 ans. Je sais juste que l’on continuera à faire entendre notre voix, parce qu’on a des choses à dire, parce que notre volonté est intacte, notre enthousiasme et nos rêves aussi. Nous continuerons à produire tant qu’il y aura de l’envie, du souffle et de l’entrain. Quant à la musique, elle continuera ! C’est comme la vie, on ne se pose pas la question de pourquoi on vit. On vit, point barre !

A plus court terme, quels sont vos projets ?
Des projets de rencontres évidemment. En septembre, lors des prochaines Rencontres Polyphoniques, nous allons travailler avec Danyel Waro. Nous donnerons un concert dans la foulée et nous nous retrouverons pour Africolor en décembre. C’est un extraordinaire personnage, un militant de l’humanité et de la "batarcité". Sinon, nous travaillons avec des musiciens de jazz tel le trompettiste Paolo Fresu ou le bandonéoniste Daniel di Bonaventura. Nous avons aussi collaboré avec le guitariste portugais Jorge Fernando et avec Yves Duteil sur son dernier album.

Des envies de collaborations autres ?
On aimerait bien travailler avec Gabriel Yacoub ou Gianmaria Testa. Ce qui nous intéresse dans ces rencontres et dans la musique de manière générale, ce n’est pas l’idée du but à atteindre mais plutôt celle de l’épanouissement au quotidien. Il est clair qu’avec l’arrivée de la world, nombreux sont ceux qui ont cru aux vertus du métissage. Mais le métissage pour qu’il soit réussi doit être l’aboutissement naturel d’une rencontre.

Vous avez travaillé pour le monde de l’image, le théâtre, l’opéra ou la danse… est-ce aussi une façon de contourner la crise du disque ?
Dans les faits, c’est peut-être ça… Mais nous, on n’a sollicité personne. Ce sont plutôt Bruno Coulais ou Sidi Larbi Cherkaoui (le chorégraphe : ndlr) qui sont venus à nous. Il n’y avait rien de calculé, pas de volonté de dire : "on va faire ça pour contourner la crise du disque…". Il est indéniable que ces collaborations nous ont ouvert de nouveaux publics.

Les mots de Jean-Claude Acquaviva

U lamentu di Ghjesù

Photo : Françoise COULOMB - 7 septembre 2005, Calvi

La tradition

Dès lors que l'on a des racines, on n'a pas besoin de prouver qu'on y est fidèle.Toutes les traditions n'ont de sens que dans la mesure où elles évoluent. Elles évoluent naturellement depuis toujours, ne serait-ce que par la communication, par les civilisations qui se succèdent, se croisent où s'entrechoquent et quelque fois se déchirent. De là naît une culture. Si l'on doit faire une analyse du chant polyphonique traditionnel on ferait le constat qu'il est endémique, c'est un chant qui manifestement a des origines ailleurs où il a été influencé. Il faut replacer ce chant dans une perspective d'ouverture sur le monde, il ne faut pas faire du suivisme et se mettre dans les pas d'une musique dominante. Si notre musique est ouverte, tant mieux ! Elle doit le demeurer pour continuer à être le reflet d'une communauté qui vit, avance et évolue.

Quand on est issu de la tradition orale, avoir des racines, c'est en même temps extraordinaire et terriblement handicapant, parce que dès que l'on sort du chemin, de la tradition, on se pose sans cesse la question : "ai-je le droit de sortir du chemin ?" Nous avons pris ce droit il y a plus de 20 ans, et ce qui nous rassure et nous comble, c'est que le public nous accepte tels que nous sommes et qu'il comprend bien notre démarche.

La tradition n'a de sens que si elle continue d'être le reflet d'une communauté qui avance.

 La langue

Se focaliser sur la défense de la langue, c'est se tromper de combat. La langue, si elle n'est pas celle du pain, du jour, du repas, du coucher, ce n'est pas la peine de se battre pour elle. Ce qui est important, c'est d'essayer de vivre par la langue et non pas de faire vivre la langue. Dans ce sens-là, on se considère toujours comme des gens militants. Pas des militants qui se posent en défenseurs d'un sanctuaire. Un sanctuaire, ça sent déjà la mort. Notre musique, c'est tout sauf quelque chose de proche de la mort.

A Filetta

En octobre 1978, naissait le groupe A Filetta. A l'époque nous ne savions pas et d'ailleurs, nous ne savons toujours pas, s'il s'agissait du rêve d'une esquisse ou de l'esquisse d'un rêve. L'esquisse d'une demeure à jamais ouverte où pourraient venir trouver refuge, les âmes entremêlées, qui dans leur quête d'éternité, tissent et retissent les fils de ce vieux partage qu'est le chant.Le rêve d'un navire sans pavillon, parti de nulle part sillonner l'ailleurs où des phares immémoriaux pourraient peut-être un jour lui dire : " c'est là, parmi vous, dans l'éphémère partagé que sont les étendues éternellement heureuses. "

Vingt ans aux côtés de tous ceux qui ont la conviction que la vie est de ces batailles à mener dont il ne faille sortir ni vainqueur ni vaincu, mais grandi.

Et, s'il fallait, au terme de ces quelques années que subsiste une empreinte et une seule, nous souhaiterions vraiment que ce soit celle de voyageurs dont la seule préoccupation serait de ne rien vouloir altérer.Il faut être ce que nous sommes et l'être pleinement et ne pas chercher ni à plaire, ni à complaire; il ne faut pas tricher avec cela.

Nous sommes un vieux groupe de jeunes chanteurs.

"A Filetta a constitué un cocon où l'on s'épanouit quelquefois à l'abri des vicissitudes d'un quotidien agité par les soubresauts de nos sociétés du tout-marchand où seule compte la capacité à être plus fort que l'autre pour mieux l'écraser. Enfin, A Filetta a également été une vraie école du partage, du travail et de l'exigence envers soi-même." (source : A Pian' d'Avretu")

Chanter

Chanter c'est, aussi et peut-être surtout, dire tendrement des choses puissantes et puissamment des choses tendres.Notre chant est de pierre et d'eau. Dans ses plis et replis, dans ses arcanes, il épouse les contours de l'âme de ce rocher tumultueux qui nous a engendrés.
Notre chant est un chant qui consacre la mémoire, il est aussi un chant qui prône l’ouverture, l’accès à l’autre. Surtout, il traduit le besoin profond de n’être que ce que nous sommes, mais à l’être pleinement, sans complexes, en authenticité et généreusement. Pas en essayant d’en faire un sanctuaire. Le sanctuaire, cela sent déjà la mort.

La polyphonie

La pratique de la polyphonie est absolument liée à l'établissement d'un lien social. C'est peut-être ce qui explique sa force et le fait qu'elle ait trouvé une nouvelle raison d'exister. Pratiquer cette musique, tenter de lui donner un prolongement, c'est pour nous caresser l'espoir de rapporter les clameurs nées du campement de quelques nomades dans ce désert qu'est le temps.Au-delà de l’aspect technique, la polyphonie est une musique de partage, qui ne se conçoit que dans la complicité. Il faut bien se connaître, beaucoup d’échanges sur le plan humain pour que cela fonctionne. Pour qu’il y ait une cohésion entre plusieurs voix, il faut qu’il y ait du sens à travers ce qui est chanté. C’est une musique qui contribue à créer des rêves collectifs.

La Corse

Je considère que le problème corse est spécifique, comme le problème de n’importe quelle micro-région l’est. Parce qu’il y a des raisons, une histoire, une géographie, propre. Mais, j’ai toujours pensé qu’il n’est qu’une toute petite partie d’un grand problème universel qui tient à la répartition des richesses, à la justice, à l’équité, au respect. Du plus petit de la chaîne au plus haut, respectons la vie dans ce qu’elle a de sacré, donnons à chacun les moyens de vivre dignement. Il faudra bien trouver un jour ou l’autre les solutions du développement.

La vraie Corse est pour moi la Corse avec toutes ses composantes. Les meurtres, les attentats, les rivalités font aussi partie de la Corse et il ne faut pas évacuer cela. Mais, tout à côté il y a des gens qui progressent, qui produisent, qui travaillent, qui essaient que cette terre aille de l’avant. De cela on ne parle pas, ou très peu.

Le problème corse n’est pas un problème local, il est mondial. Comme beaucoup d’autres territoires dans le monde, face à la mondialisation, la Corse doit garder sa spécificité et sa culture. Le vrai enjeu est là.

Un Continental qui change de département n’a pas le sentiment de partir de chez lui. Un Corse qui part de Corse s’arrache. Cela a eu une influence très forte sur cette volonté de maintenir, de cultiver.

Sur une île on peut avoir l’impression que tout s’arrête : même la terre ferme !

La violence

La France a eu en Corse une politique violente, elle a essayé d’éradiquer tout ce qui faisait la spécificité des Corses au niveau de la langue, de la littérature. La France, par des lois douanières assassines, a essayé de mettre complètement par terre l’économie corse. Cela fait aussi partie de l’histoire de France. Aujourd’hui, cela se traduit par une violence qui a été en partie légitime et une violence qui, en grande partie, a dérivé pour des tas de raisons, pour des choix qui ont été faits ou pas. Parce que la clandestinité a pris le pas sur le reste et l’on sait qu’une violence clandestine est incontrôlable. Sous couvert d’une violence clandestine, des bandes armées se constituent, elles se partagent des secteurs. On est donc arrivé à des dérives avec, malheureusement, des gens sincères qui se sont faits flinguer sur le terrain et des gens douteux qui ont fait leurs affaires. Aujourd’hui, on en est là.

J'ai toujours considéré que la violence clandestine était une erreur originelle. Non seulement elle permet toutes les dérives, mais elle entame notre capacité citoyenne à prendre en charge nos responsabilités et donc notre devenir. Enfin, elle porte en elle les germes de l'arbitraire.

L'engagement

Le chant a été pendant longtemps, dès la fin des années 60 et depuis le phénomène revendicatif très fort, une parole militante. Il a été le moyen de faire passer des idées. Le mouvement autonomiste s’est beaucoup appuyé sur les chanteurs. Aujourd’hui, nous sommes capables de dire avec notre langage et notre musique ce que les peuples de la terre disent avec leur langue et leur musique. Je ne pense pas que si on en était resté à quatre paroles chantées de façon militaire, on aurait fait progresser notre terre comme elle a progressé. Car, quoi qu’on en dise, durant les trente dernières années, on a fait un sacré bond en avant, même si nous qui vivons la Corse au quotidien, nous avons toujours le sentiment que les choses n’avancent pas. Les premières années ont été militantes jusqu’aux années 80, puis tout cela est devenu plus universel. On a donné à l’universel nos couleurs spécifiques. Le terme militant renvoie à une idée de combat pour... Je préfère l'appeler associatif, bénévole, naturel.Toute harmonie est inaccessible dès lors que l'on ignore l'Autre dans sa spécificité, dans son tempérament, dans son essence, mais aussi dans ses failles, ses insuffisances, ses souffrances.

Le monde

Nous considérons que nous vivons dans un monde qui ne peut qu’aller dans le mur. Quand 10 % des gens de la planète se répartissent 98 % des richesses, cela ne peut pas tenir. C’est non seulement injuste, mais invivable.

Le racisme

Il me semble aussi dangereux de montrer la Corse du doigt (comme étant raciste) que d'affirmer la main sur le coeur que les Corses ne sont absolument pas racistes.

L'identité

L’identité ne se décrète pas, elle ne se projette pas, elle se dévide dans le souffle des hommes, et la sauvegarde de l’identité passe par l’identité plus que par la sauvegarde.

En conclusion...

"Produire du sens, tisser du lien, restaurer le respect, accepter de se construire aussi dans l’altérité".

Vu sur le site CafeBabelcom, le site européen

http://cafebabel.com/fr/
Un grand merci à Carole de me l'avoir signalé.

Jean-Claude Acquaviva, racine corse
Adriano Farano - Paris - 14.11.2006 Traduction : Gilles Pansu

Chanteur et leader du groupe de polyphonie corse ‘A filetta’, Jean-Claude Acquaviva, 41 ans, disserte sur son dernier album, les femmes de l’île de Beauté et la France jacobine. Le charisme de mon invité transparaît dans ses yeux gris acier qui m'accueillent au matin d’une limpide matinée d’automne parisienne. Mais c’est avec sa voix, grave et hiératique, que Jean-Claude Acquaviva a su mener son groupe, ‘A filetta’ aux sommets de l'art de la polyphonie corse. Un timbre a cappella qui, mêlé à celui des six autres membres du groupe, a conquis le public de l'auditorium de l'Institut du Monde Arabe, le soir avant que je le rencontre.

N'oublie jamais la fougère

La salle parisienne n'était pourtant pas à la hauteur des performances acoustiques de la petite église de village où j'ai entendu pour la première fois chanter ‘A filetta’. « C'est vrai », admet Jean-Claude Acquaviva « des concerts comme celui de Rogliano [au Cap corse] nous permettent de conserver un lien avec notre terre. » L’homme parle corse, une langue largement compréhensible pour moi qui suis Italien.
’A Filetta’ cherche à préserver la simplicité qui existait lors de la formation du groupe en 1978 par " des amateurs." Parmi les membres de la première heure, des "instituteurs ou des bergers" et Jean-Claude Acquaviva, 13 ans à l’époque. "Nous avons payé de notre poche notre premier voyage à l'étranger, dans la Sardaigne voisine", se souvient-il en souriant. "On ne demandait rien de plus".
En 1994, l’heure du choix sonne. "Nous étions face à une alternative," explique Acquaviva : "Continuer à nous amuser ou prendre les choses au sérieux. Nous avons pris la voie professionnelle, portés par l'envie de nous réaliser, avec l'aide du compositeur Bruno Coulais et du metteur en scène Jean-Yves Lazennec".
A une condition : rester fidèle à leur nom. En corse, "filetta" signifie "fougère", une plante très répandue sur l’île de Beauté et "difficile à arracher car dotée de racines qui se développent à l'horizontale", souligne Acquaviva, joignant le geste à la parole. "D’ailleurs quand un corse quitte l'île et oublie ses racines, on dit : ‘s'è scordatu di a filetta’ [il a oublié la fougère]".

De l'innovation mais pas de pop

Pour Jean-Claude Acquaviva, la musique corse doit être à l'avant-garde. "Nous voulons être aussi populaires que les autres genres musicaux, sinon autant nous mettre au musée. Nos collègues qui s'opposent aux innovations me rappellent les damnés de ‘l'Enfer’ de Dante qui furent condamnés à marcher la tête à l'envers et à pleurer par derrière. Pour autant, il ne faut pas perdre l'authenticité de la musique corse", martèle t-il. Référence implicite à ‘I Muvrini’, autre groupe de polyphonie corse très connu, qui a mélangé les chants traditionnels avec des sonorités pop et des fonds sonores instrumentaux.

Le discours d’Acquaviva vaut aussi pour la politique. "On nous accuse d'avoir oublié notre engagement des premières années en faveur de l'indépendance de la Corse", explique Acquaviva avant d’enfoncer le clou. "En réalité, nous sommes encore plus militants qu'avant."

Une Corse "annexée par la France"

Mais quel rapport entre la question corse et le dernier album d' ‘A filetta’ intitulé Médée ? 

"Le thème des femmes, " explique Acquaviva, qui cite même le poète Sénèque en introduction d'une de ses chanson : ‘Nulle force au monde, ni ouragan, ni incendie ou machine de guerre n'a la violence d'une femme abandonnée, ni sa force ou sa haine’. "Je vois chez Médée la même force que chez les femmes corses qui sont descendues dans la rue dans les années 90 pour protester contre la violence des indépendantistes."

Une violence avec laquelle Acquaviva confesse entretenir des liens ambigus. "Nous condamnons les crimes de sang commis par les ‘clandestins’. Mais on ne peut pas se contenter de condamner", glisse t-il avant de reprendre d'un ton sérieux, en français cette fois : "Qu'on le veuille ou non, la violence clandestine naît de l'injustice. Je ne suis pas pour l'indépendance, mais il ne faut pas oublier un fait historique irréfutable : la Corse a été annexée par la France. Et c'est une terre beaucoup plus italienne que française."

"Nous, par exemple, " poursuit-il - en s'adressant à moi en corse – "nous pouvons nous comprendre. Le problème est que notre île subit trop d'injustices de la part de la France : les élections sont truquées, on ne vote pas librement. Et à chaque fois qu'on veut augmenter le niveau d'autonomie se déclenche une sorte de cordon immunitaire qui va préserver une centralisation imposée par Paris."

Mais quel lien avec Médée ?

"Comme l'héroïne d'Euripide et de Sénèque, la Corse a subi une injustice de la part de la France." Par amour pour Jason, Médée trahit son père et sa patrie puis se voit abandonnée par son amant dont elle se venge en tuant les deux fils qu'elle avait eu de lui. "Comme dans la tragédie antique, le pacte a été violé", lance Acquaviva avec une gestuelle toute méditerranéenne.

Pour le chanteur compositeur, l’injustice pourrait être réparée grâce à l'Europe. Acquaviva, sceptique sur la Constitution européenne qu'il estime "trop libérale", considère que "la Corse a tout à perdre si les Etats nations reprennent le dessus. Car l'Europe est caractérisée par une notion que la France ne peut absolument pas concevoir : la décentralisation".

Pour 'A Filetta', l'Europe constitue surtout une occasion de dialogue artistique. "Dans le cadre du programme européen ‘Interreg’, [qui soutient des projets entre régions européennes] nous avons essayé de confronter les différents visages de Médée dans la tradition européenne. Le spectacle a été mis en scène par le napolitain Orlando Furioso, avec des actrices sardes, des musiciens du conservatoire de Livourne en Toscane, et la composition du Français Bruno Coulais."

En outre, « chaque année à Calvi, nous organisons une rencontre avec des groupes polyphoniques du monde entier ».

Et de qui se sentent-ils les plus proches?

"Curieusement pas de nos voisins sardes, car leur chant est trop aseptisé", dit-il avec précaution. "J'adore les Géorgiens, qui nous ont enseigné à chanter de façon puissante avec tendresse et de façon tendre avec puissance", explique Acquaviva. Une énergie qui, dans les crescendos d’’A Filetta’ rappelle ainsi le vacarme tendre et fracassant de la mer de Corse.

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